Barry Underwood

• Sua obra examina o uso do solo em locais rurais, suburbanos e urbanos, sempre pesquisando o uso da terra agrícola, industrial e de lazer local. A curiosidade sobre a história ecológica e social dos lugares específicos impulsiona seu trabalho. Ao revelar a beleza e o potencial de uma paisagem comum, uma cena cotidiana transforma-se em uma experiência memorável, visual. Cada imagem da fotografia é um diálogo - um encontro direto com a natureza e história. Inspirado pela arte da terra, a fotografia de paisagem e pintura, bem como cinema, suas imagens são surreais. Esta tensão entre o familiar e o surreal dá as imagens um estranho poder. As fotografias são documentações de instalações de grande escala que são construídas no local. Nas impressões finais, as luzes e as alterações aparecem como invasões, transformando paisagens em imagens abstratas.  
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Andrzej Lachowicz

ANDRZEJ Lachowicz é um desses artistas cujo trabalho influenciou significativamente o desenvolvimento das artes visuais em nosso país. Desde o final dos anos sessenta, um fotógrafo, design gráfico, pintura, desenho, criação de filmes e gravações de vídeo. É um teórico da arte ativa, publicou e anunciou sua pesquisa em linguagem visual da fotografia, cria trabalhos onde analisa a transferência de informações, uma espécie de "persuasão visual" que age sobre o destinatário.

Sua arte está firmemente ancorada na photomedialism que constitui um componente significativo da discussão conceitual sobre temas de arte, que na época dominavam o mundo. Em 1970, ele co-fundou a galeria em Wroclaw PERMAFO atuação de um grupo de artistas reunidos em torno da galeria. Um papel importante neste grupo também tocou Natalia LL e Dlubak.

Andrzej Lachowicz (nascido em 14 de agosto 1939 , em Vilnius, Lituânia ) - designer gráfico, fotógrafo, pintor, cineasta, teórico da arte. Estudou na Academia de Mineração e Metalurgia , em Cracóvia (1957-1960), depois para a Academia de Belas Artes (hoje a Academia de Belas Artes. Eugeniusz Geppert ), em Wroclaw, sob os auspícios do prof. Stanislaus Dawski . Mais de 40 anos de atividade artística foi o organizador dos muitos esforços artísticos. Desde 1968, ele é membro de ZPAF . Um pioneiro e fundador da Internacional Trienal de Desenho em Wroclaw . Ele era um estudioso da Fundação Kosciuszko em Nova York (1997), Verien Kulturokontakte em Viena (1991) e PRO-HELVETIA na Suíça . Em 2009, ele foi condecorado com a Medalha de Prata "Gloria Artis" [1] e recebeu o prêmio. Katarzyna Kobro .

Uma área importante de suas atividades são textos teóricos, incluindo os níveis de energia de arte (1978), o desespero e a esperança (1986).

Andrea Galvani

Morte de uma imagem de Andrea Galvani , 2005/2012, é uma série de fotografias de edição limitada. Para fazer este corpo de trabalho, Galvani usa objetos, espelhos e fumaça para criar distúrbios na percepção física dos espectadores nas paisagens. Através de detonações e outras intervenções, Galvani também altera o sentido do tempo dos espectadores, quer capturar uma fração de segundo a ação de outra forma incompreensível a olho nu ou revelar as propriedades de um lugar por meio de processos que se desenrolam lentamente. Morte de uma imagem # 4C mostra uma epifania momentânea de luz orquestrada, com destaque para as propriedades de ruptura de algo que de outra forma não deixa vestígios físicos.

Andrea Galvani (nascido na Itália, 1973) ganhou um BFA na Academia de Belas Artes de Bolonha, Itália, em 1999, e um mestrado em Artes Visuais da Universidade de Bilbao, Espanha, em 2002. Desenho de outras disciplinas e, muitas vezes utilizando metodologias científicas, a pesquisa conceitual informa o seu uso da fotografia, bem como de vídeo, desenho e instalação. Obras de Galvani foram exibidos no Museu Whitney, Aperture Foundation e Fundação Calder, em Nova York, o Museu de Arte Moderna e Contemporânea de Trento e Rovereto (MART), a Itália, o Museu de Arte Contemporânea de Roma (Macro); De Brakke Grond, Amsterdam, e em outros lugares. Em 2011 ele recebeu o Prêmio Exposição de Nova York e foi nomeado para o prestigiado Deutsche Börse Photography Prize. Galvani vive e trabalha em Brooklyn.

http://www.aperture.org/shop/prints/new-photographs/andrea-galvani-limited-edition-photograph

André Kertész

               

  

André Kertész (1894-1985) foi saudado como um dos mais importantes fotógrafos do século XX. Trabalhando de forma intuitiva, ele capturou a poesia da vida urbana moderna, com sua calma, incidentes muitas vezes esquecido e estranhas justaposições, ocasionalmente em quadrinhos, ou até mesmo cenas bizarras. Ele se esforçou "para dar um sentido a tudo" com sua câmera , para fazer fotografias como pela reflexão em um espelho. Combinando essa espontaneidade aparentemente ingênua com uma compreensão sofisticada da composição, Kertész criou uma linguagem puramente fotográfica que celebra a observação direta do cotidiano. Nem um surrealista, nem um fotojornalista estrito, ele, no entanto, infundido suas melhores imagens com fortes princípios de ambos. "Você não vê" as coisas que você fotografa, ele explicou, "você sente." Nascido em Andor em Budapeste, Kertész recebeu sua primeira câmera em 1912 e imediatamente começou a fazer retratos íntimos da família e amigos, estudos de campo húngaro, e cenas da vida cotidiana por trás das linhas de batalha da Primeira Guerra Mundial, olhando a vida através da fotografia, ele se mudou em 1925 para Paris, onde estabeleceu uma bem sucedida carreira como fotojornalista. Estimulado por esta realização e inspirado pelo vibrante comunidade artística da capital francesa, ele criou algumas das imagens mais intrigantes e célebres do período. Em 1936 Kertész mudou-se para Nova York, a fim de continuar a sua carreira. Cativado pelo rico espetáculo visual da cidade e admirado por sua escala, ele usou a câmera para gravar tanto o seu fascínio, e senso de alienação, seu novo ambiente. As imagens atestam uma história pessoal complicada suportados pelas convulsões políticas de duas guerras e da vida em três países. Ele morreu com a idade de noventa e um. 

Riitta Ikonen e Karoline Hjorth

Em 15 de fevereiro, Riitta Ikonen e Karoline Hjorth começaram um novo capítulo com Eyes as Big as Plates / Olhos tão grandes quanto pratos, como parte do programa de Recesso da assinatura, a Sessão. Sessão convida artistas para usar o espaço público Recess como estúdio, local de exposições, e experimentação. Ao longo de sua sessão, Ikonen e Hjorth criaram figurinos, cenários, e programas de desempenho para os residentes seniores de Nova York, que mostram uma ligação marcante com suas raízes nacionais e culturais. As artistas exploraram paisagens mentais subjetivas com a personificação da natureza, desenvolvendo uma série de fotografias e performances. Riitta Ikonen, fotografa e figurinista, em colaboração com a artista norueguêsa Karoline Hjorth , o projeto foi criado durante uma residência no Centro de Arte e KINOKINO Cinema na Noruega.

Ikonen criou uma série de figurinos personalizados usando materiais orgânicos , e desenvolvidos a partir de entrevistas e atividades com os participantes seniores.Trabalhando com os moradores da Casa Hamilton-Madison - Prefeitura Senior Center em Manhattan, os participantes são estimulados a contribuir com ideias e histórias para as fotos e para emprestar sua própria personalidade para trajes de Ikonen. Hiorth filmou as histórias selecionadas em locais nos arredores de Nova York, especialmente entre as hidrovias de Red Hook.

As fotografias usam referências do folclore americano. Cada imagem irá apresentar uma figura solitária numa paisagem, vestida de elementos do ambiente que não indicam tempo nem lugar, estimulando um sentido de atemporalidade e universalidade. Esta mistura de pessoa e ambiente recorda a forma como as narrativas folclóricas animam o mundo natural através de uma personificação da natureza. As figuras dos idosos nas paisagens sugere um retorno à Terra, uma celebração da vida vivida, reforçando a ligação entre a humanidade e o mundo natural. A exposição conta com uma apresentação final dos trajes, fotografias e artefatos.

Sobre os artistas:

Riitta Ikonen received her BA from the University of Brighton and her MA from Royal College of Art in London. She lives and works in New York City and London. She has exhibited her work at Museum of Contemporary Art Kiasma in Helsinki, London 2012 Olympic Park, Seibu Shibuya in Tokyo, Winzavod Art Center in Moscow, Hockney Gallery and the annual RCA Secret exhibition at Royal College of Art, Photographer's Gallery, Tate Britain, Gulbenkian foundation headquarters and the Victoria and Albert Museum in London. She is a recipient of the Michael Peters award for Interdisciplinary Collaboration, winner of the Beck's canvas competition in 2008 and in 2011 she was the artist in residence at KINOKINO arts center in Norway. Ikonen is the artist in residence with SPARC (Seniors Partnering with Artists Citywide ) in Manhattan through Lower Manhattan Cultural Council (LMCC) from January through June 2013.

Karoline Hjorth is based in Oslo and works as a photographer, journalist and sailor. She received her BA in Photographic Arts from University of Westminster in London and her MA in International Journalism from the same university. Her photographic work has received the Deloitte Award at the National Portrait Gallery in London and has been exhibited internationally. She released the book Mormormonologene (Nana Monologues) in 2011 and the second edition was published in 2012. Para pedidos de imagens ou mais informações contactar: info@recessactivities.org.

Riitta Ikonen and Karoline Hjorth:
Eyes as Big as Plates

February 15 – April 26, 2013
Performance & Reception: March 22, 6-8 pm

Recess in Red Hook
159 Pioneer Street
Brooklyn, NY 11231

riittaikonen.com

eyesasbigasplates.wordpress.com

Filip Dujardin

A  Highlight Gallery apresenta (DIS)LOCATION em São Francisco, CA. 

A exposição individual do fotógrafo belga Filip Dujardin cujo trabalho é inspirado no patrimônio das paisagens e arquitetura,  e vai estar em exposição a partir de 07 fevereiro até 29 de março 2013. As Colagens fotográficas de Dujardin são profundamente industriais e surreais e desafiam todos os componentes funcionais da arquitetura e, com isso criam mundos utópicos onde as misturas evocam romantismo e surpresa. A exposição apresenta o seu mais recente corpo de trabalho, que inclui fotografias tiradas na cidade costeira francesa de Deauville e também a área de Guimarães no norte de Portugal. As suas composições fotográficas são compostas de edifícios reais, que são então transformados em novas estruturas fictícias através da utilização de técnicas de colagem digitais. As formas arquitetônicas, embora familiares, tornam-se novos ambientes construídos de sonho, onde as paredes são erguidas e até mesmo inseridas enquanto vigas surgem e são plantadas de formas improváveis. Suas composições irregulares tocam o real e o digital e respondem perfeitamente aos ambientes naturais e paisagens em que são plantadas, quase como se eles estivessem lá para sempre. Ao mesmo tempo, a sua justaposição do industrial com o romântico dá novas dimensões à colagem fotográfica e oferece novos  truques imaginários excitantes pro olhar. O trabalho de Filip Dujardin faz o melhor das paisagens que ele usa, respeitando sua história e importância cultural. Seu trabalho dá uma sensação de familiaridade e consegue aceitar a beleza de uma nova realidade. Tendo estudado História da Arte, com ênfase na arquitetura, é evidente que o seu trabalho abrange todas as qualidades esculturais que a arquitetura tem para oferecer. Sua negação da gravidade e funcionalidade é corajosa, por sua vez, oferecendo-nos uma sensação maravilhosa de liberdade.

http://www.yatzer.com/DIS-LOCATION-Filip-Dujardin-Highlight-Gallery-San-Francisco

Rothko / Sugimoto

Um verdadeiro luxo poder ver juntos Rothko e Sugimoto, que inauguram a nova Pace Gallery de Londres.

Rothko / Sugimoto exposição inaugura Pace Londres, 6 Burlington Gardens

Logo depois de  seu recente anúncio de planos para abrir uma grande galeria, em Mayfair, Londres, Pace tem a honra de apresentar Rothko / Sugimoto: Pinturas escuras e Paisagens em 6 Burlington Gardens de 04 de outubro a 17 de novembro de 2012. A exposição inaugural justapõe o falecido Mark Rothko com suas pinturas em preto e cinza com fotografias contemporâneas de Hiroshi Sugimoto de corpos de água. A exposição marca a primeira apresentação  da galeria com os  trabalho de Rothko em Londres, em quase 50 anos e continua a tradição da Pace, com cinco décadas de exposições que exploram afinidades entre artistas que trabalham ao longo das décadas.

Pinturas escuras e Paisagens formam oito pares de pinturas acrílicas feitas por Rothko e oito gravuras de gelatina de prata por Sugimoto, revelando duas diferentes abordagens artísticas que chegam a conclusões semelhantes. Um feito épico unir os dois mestres, que nos mergulham num tempo infinito de mares escuros onde um tom sombrio de seriedade nos remete à "Ira de Aquiles" pra contemplar a mortalidade. Pois assim podemos ver Rothko na pura abstração com o trabalho de Hiroshi Sugimoto, com a fotografia de percepção do mundo. Caracterizada por um formato binário de preto e cinza retangulares, são elementos das afinidades filosóficas entre os dois artistas, cada um oferecendo uma meditação sobre preocupações universais e cosmológicas.

A exposição será acompanhada de um catálogo por Richard Shiff, a Marie Effie Caim Regents Presidente em Arte e diretor do Centro para o Estudo do Modernismo na Universidade do Texas em Austin. "Rothko e Sugimoto pensar em termos de eras e eras da história da vida orgânica, e não as décadas de suas próprias vidas", escreve Shiff. "Rothko havia dirigido a sua arte, como Sugimoto faz agora, a um sentido, primal evolutiva do ser humano. O que é verdade de Rothko e Sugimoto torna-se verdadeiro de todos nós quando assistimos à sua experiência, se encontramos os limites do sentimento humano e a percepção que as pinturas de Rothko e fotografias de Sugimoto representam. Nós, então, reconhecemos a condição de que já constitui a nossa vida ... Imerso no mar de um artista de luz , da natureza profunda. O conceito para a exposição se originou em 2010, quando Hiroshi Sugimoto entrou Pace e foi introduzida para Christopher Rothko, filho de Mark Rothko. Pace tem trabalhado com a família Rothko desde 1978 e apresentou 10 exposições dedicadas à história do trabalho do artista.Em preparação para a exposição, Sugimoto refletiu, "Por muitas décadas eu criei marinhas. Não retratar o mundo em fotografias, eu gostaria de pensar, mas sim projetando minhas paisagens marítimas internas para a tela do mundo.Céus agora formando retângulos brilhantes, a água agora está derretendo em retângulos líquido escuro. Eu às vezes acho que vejo um horizonte escuro cortando pinturas de Mark Rothko. É então eu inconscientemente perceber que as pinturas são mais verdadeiras do que as fotografias e as fotografias são mais ilusório do que pinturas. "

Pintado um ano antes de sua morte, pinturas escuras Rothko de 1969 representou a primeira ruptura radical de sua forma assinatura em mais de duas décadas. Ele abandonou tanto a faixa de orquestra e bancos cintilantes de cor que definiram seus trabalhos anteriores, reduzindo cada pintura de dois retângulos distintos, um escuro e um claro. Embora Rothko tenha se envolvido com a escuridão antes, nomeadamente nas pinturas Seagram de 1958-1959 e da Comissão para a Capela na Menil Collection em Houston 1964-67 na obra final, ele limitou sua paleta de preto e cinza, com traços de marrom escuro, marrom e azul visível. As pinturas são rodeados por uma margem branca, exclusivo para esta série, que isola o campo e enfatiza a sua planicidade. Embora sombrio e até mesmo elegíaco na cor e humor, as obras escuras relacionam menos com qualquer tragédia pessoal na vida de Rothko, e mais a eternas e despersonalizada questões metafísicas. Como o crítico Brian O'Doherty escreveu em seu ensaio pro catálogo de 1985, para a exposição de pinturas. Sugimoto marítimas (iniciada em 1980) retratam corpos de água do Canal Inglês para a baía de Sagami, cada fotografia na mesma composição gritante de uma linha do horizonte dividindo o céu e o mar. Dividido em dois retângulos um-escuro, um-luz a relação entre o mar e o céu assume uma geometria quase abstrata que carrega de imagem a imagem e oceano para oceano ao redor do mundo. Como Rothko, Sugimoto transmite uma gama impressionante de emoções dentro de um vocabulário limitado de tons de preto e branco e um formato fixo. Focalizando água e ar-as substâncias que deram origem à vida, os trabalhos evocam mares primordiais e as origens da consciência humana.

Tanapol Kaewpring

Tanapol Kaewpring (1980, Tailândia) graduado com um BA em Arqueologia na Universidade Silpakorn, Bangkok. Atualmente é fotógrafo Wallpaper * Magazine (edição Tailândia) e baseia-se em Bangkok. Nos últimos anos, Kaewpring foi migrando seu trabalho para o campo das artes. Essa série de fotografias se chama:  A Little Things Series . Seu trabalho combina um agudo senso de profundidade, composição e perspectiva com observações ponderadas da condição humana através de sonhos, como configurações. Ele já expôs seu trabalho de Fotografia em 2006 e 2008, em Bangkok, bem como a exposição do coletivo Positive Living, na University de Bangkok  em 2008. nota da curadora Eva McGovern: A psique humana é complexa. Nós muitas vezes vivemos em nossas mentes, em vez de estar presente no momento. Intangíveis pensamentos têm o poder de limitar a nossa felicidade e sucesso na vida. Por isso, ficamos presos aos limites que permitam à sociedade nos impor. It is these seemingly ‘little things’, that become powerful inhibitors for human beings. Novo corpo Tanapol Kaewpring dá nova forma a esses desafios abstratos usando um cubo de vidro curioso no ambiente natural e urbano como uma metáfora para os sistemas que estamos submetidos. Estas caixas simbólicas podem ser físicas, como uma casa e um apartamento, bem como quadros sociais da família, religião, cultura e política. Cada cubo está situado dentro de ambientes específicos, a praia, a floresta, o deserto e a cidade. Confinados dentro são elementos como fogo, fumaça, luz e água. Estas forças da natureza têm a capacidade para a grande mudança, crescimento e destruição e mesmo assim eles ainda são capazes de ser controlados pela humanidade. Mesmo que eles tenham os seus limites. Esses elementos, combinados com as suas configurações representam aspectos da liberdade psicológica. Se somos capazes de pensar fora da caixa, para quebrar o vidro que nos rodeia talvez pudéssemos alcançar a verdadeira libertação e felicidade. A abordagem de Kaewpring é da poética pessoal, de transcendentalismo preso. Ele utiliza a manipulação digital e técnicas de pós-produção para criar estes pontos intensos de meditação. Também parece haver ligações claras com o budismo e cultura tailandesa, durante um ponto em que muitos jovens tailandeses estão questionando sua identidade como uma negociação entre a tradição e a modernidade.