TreeHotel

Um projeto exótico e ambicioso nas florestas da Lapónia sueca, do grupo de arquitetos suecos (Tham e Videgaard Hansson, Sendell Sandberg, os Irmãos Cyren e Inredningsgruppen). Na realidade um sonho de criança, pois o projeto denota muita diversão e humor nestas casas de árvores, que mais parece um ninho ou mesmo uma legítima casa invisível, feita de espelhos, 4 metros acima do chão. O silêncio parece ser indescritível, próximo ao Rio Lule. São 4 casas únicas e sofisticadas, apesar do aspecto alternativo o preço é por volta de £ 300. O acesso é outra novidade - uma escada eletrônica operada por controle remoto que pode ser retirada completamente uma vez que os convidados estão dentro. De baixo, apenas os ramos da base do ninho são visíveis, pra ficar de fato totalmente oculto.

Treehotel 
Brittas Pensionat 
Edeforsvaagen 
2A, 96024 Harads 
Suécia 
T.: +46. (0) .928.10403 
Portable: 46. (0) 0,705727752 
info@treehotel.se

flying graffiti

http://www.ekosystem.org/tag/moneyless

infiniski

James & Mau Arquitetura projetou a Casa Infiniski Manifesto em Curacaví, Chile. Infiniski é uma empresa de construção civil especializadas na construção de casas ecológicas e edifícios com base no uso de reciclados, reutilizados e materiais não poluentes.
Construtora Infiniski lançou uma declaração de missão, sob a forma de uma casa. A casa Manifesto Infiniski é feita de material reciclado e reutilizado e outros elementos eco-friendly. A casa utiliza sistemas de energia renovável e auto-sustentável, como o aquecimento solar e ventilação natural.

Francis Alys

A Story of Deception

Francis Alÿs  faz pequenas intervenções ou interrupções em situações cotidianas. Enquanto ele trabalha em uma série de meios , o seu trabalho em geral é em grande parte conceptual e performatico . Mesmo sua pintura é um pouco subversiva. Alÿs regularmente emprega mexicanos-pintores (rotulistas) para pintar e elaborou versões ampliadas de pinturas de pequeno porte, que são livres para produzir cópias ilimitadas. Sua intenção é desafiar a idéia da obra original, tornando o processo de tomada de mais anônimos e deflacionando o valor percebido comercial da arte. Ao interromper esses tipos de padrões, Alÿs joga com as tensões sociais e culturais. Na verdade, ele afirma que sua pintura e as imagens são apenas a tentativa de ilustrar as situações que enfrentam, provocam, ou executam num público mais, geralmente urbanas, e ao nível efêmero. (Alÿs citado em Douglas Fogle, ed., Pintura em Edge of the World, catálogo da exposição, Walker Art Center, Minneapolis 2001, p.238). 

Caminhar ou passear é um tema recorrente na obra de Alÿs, que muitas vezes resulta de notas e observações feitas enquanto vai vagando por qualquer cidade que ele está. O resultado desses deslocamentos se pode conferir na sua última mostra THE CLOWN, e tb em DEJA_VÚ. Ele empurra um grande bloco de gelo pelas ruas da Cidade do México até que derreta e suma. Quinhentos voluntários andam sobre uma duna de areia enorme em Lima, Peru, cavando com pás e fazendo o deslocamento de uma duna mesmo que poucos centímetros. Estas são as obras do célebre artista Francis Alys (nascido na Bélgica, 1959), e objecto de uma grande exposição na Tate Modern. O trabalho de Alÿs começa com uma simples ação, seja por ele ou por outros, que é documentado em uma série de meios de comunicação. Alÿs explora temas como a modernização de programas na América Latina e zonas de fronteira em áreas de conflito, muitas vezes, vem perguntando sobre a relevância dos atos poéticos em situações politizadas. Ele usou projeções de vídeo e cinema, mas também espalha suas idéias através de cartões postais. Pintura e desenho permanecem parte central de seu trabalho também. Alÿs se mudou para a Cidade do México em meados de 1980 em um momento de agitação política, e vive lá agora. Ele começou a fazer o trabalho e registrou a vida cotidiana, por exemplo, fez slides mostrando às pessoas dormindo nas ruas ou empurrar "camelôs" (barracas comerciais móveis). Alÿs também faz obras em todo o mundo. Na Linha Verde, 2004, Alÿs caminhou ao longo da linha de armistício de 1948 entre Israel e a Jordânia, arrastando uma linha de tinta verde atrás dele, e provocando comentários sobre o conflito israelo-palestiniano. Esta exposição é a mais detalhada até agora. Possui várias obras invisíveis na Grã-Bretanha, tais como os movimentos Fé Montanhas 2002, bem como a maior parte da sua obra.

Tate Modern 15 June  –  5 September 2010

bonecas encantadas

Elas são lindas, verdadeiro objeto de desejo. Algumas vêem com nuas com acessórios de cabelo

e penteados maravilhosos. O casal é lindo e languido. Todos os acessórios tem caixas maravilhosas...

http://www.enchanteddoll.com/index.html

Rochelle Costi

DESVIOS - UM OLHAR CALEIDOSCÓPICO

Um prazer poder ver novamente a exposição da Rochelle , desta vez em plena Av. Paulista, no Instituto Cervantes, e com muitas fotos. Esse trabalho já havia sido exposto no Itaú Cultural um tempo atrás. O mais impressionante é que algumas das fotos foram feitas pelo avô da Neka Mena Barreto, que era oftamologista. Incrível como as conexões dão voltas! Como nota o crítico de arte Ivo Mesquita, em Um Olhar Caleidóscópico a artista apropria-se de imagens encontradas coletadas ao acaso, realizando uma intervenção direta e deslocadora no código usual da fotografia e da representação. Para o historiador da arte Tadeu Chiarelli, a problemática da perda de identidade perpassa toda a produção de Rochelle Costi. Nesta exposição a artista explora, com humor e ironia, até sua própria identidade corporal. http://www.culturaespanha.org.br/agenda/sao-paulo/272/rochelle-costi-desvios-um-olhar-caleidoscopico

12 de junho, 2010 a 31 de julho, 2010 Segunda, das 8h às 20h Terça a Sexta, das 8h às 21h Sábados, das 9h às 15h

Instituto Cervantes - Espaço Cultural Av. Paulista, 2439

Mathilde Nivet

Upside Town via le territoire de sens

Augusto de Campos

Vejam o estimado site ERRATICA, com o novo trabalho do Augusto de Campos.

TVGRAMA 4 erratum e TVGRAMA 3

Fabíola de Francis Alys

Acho pessoalmente essa obra maravilhosa, principalmente pelo tempo e a diversidade de contextos que Francis Alys vivenciou pra formar essa coleção. Encomendado pelo Dia Art Foundation, com curadoria de Lynne Cooke, Francis Alys: Fabiola foi instalado pela primeira vez na Sociedade Hispânica da América, no norte de Manhattan entre setembro de 2007 e abril de 2008. Francis Alys, um artista belga que se mudou para a Cidade do México no início de 1990, reuniu uma significativa coleção de pinturas quase idênticas e outras representações do século IV  sobre Saint Fabiola   nas últimas duas décadas. Todos estes são baseados em um conhecido retrato do francês acadêmico pintor Jean-Jacques Henner do século XIX.  Esta imagem muito venerada foi tão assiduamente copiada por amadores e profissionais que se tornou um ícone popular, um fenômeno que, como o artista afirmou que "indica um critério diferente do que uma obra-prima poderia ser." Provenientes dos mercados de pulga, lojas de antiguidades e coleções particulares em toda a Europa e as Américas, da recolha toda, Alÿs oferece uma janela para estética, sociológica, teológica e valores ao longo do século passado e muito mais. Esta exposição mostrou mais de três centenas de retratos Fabiola, todos eles cópias de um original perdido: a maioria são pinturas, e existem várias versões de bordado, relevo em madeira e outros materiais também.

Incrível esse trabalho!

Francis Alys

http://www.youtube.com/watch?v=mwmug-DW58M&feature=related

Shusaku Arakawa

A família de Shusaku Arakawa não revelou a causa da morte do artista, que nasceu em 1936, em Nagoya, no Japão. Estudou arte em Tóquio. Em 1960 formou um grupo de artistas inspirados no Dadaísmo, introduzindo assim esse conceito no meio artístico japonês. Um ano depois rumou a Nova Iorque, levando consigo apenas onze euros e o número de telefone de Marcel Duchamp, como recorda o "New York Times". Arakawa disse mais tarde que Duchamp viria a tornar-se o seu mentor. Dois anos depois de chegar aos Estados Unidos, inscreveu-se na escola de arte de Brooklyn, mais para obter um visto de residência nos EUA e não tanto pela educação, contava. Aí conheceu Madeline Gins, também estudante. Casaram em 1965. “É imoral que as pessoas tenham de morrer”, disse Gins ao “New York Times”. Arakawa e Madeline exploraram a sua filosofia, a que chamaram Destino Reversível, em poemas, livros, pinturas e edifícios. Em 1963 fundaram a Architectural Body Research Foundation, que praticava a "arquitectura contra a morte" e em cujo site se lê "Decidimos não morrer", e assinaram obras como "Architectural Body" ou "Making Dying Illegal". O arquitecto Steven Holl disse ao “New York Times” que o trabalho do casal era muito enraizado na filosofia japonesa e que “vai levar muitos anos até que as pessoas o entendam totalmente”. Arthur Danto, crítico de arte e filósofo, conviveu com Arakawa durante quarenta anos. “Ele achava mesmo que estava a fazer o trabalho mais importante de todos, superar a morte”, disse Danto. Mas acrescentou que “como é que isso ia acontecer é que nunca foi claro, excepto para ele e Madeline”. Nos últimos anos, filósofos e cientistas usaram o trabalho de Arakawa e Gins como objecto de estudo em diversas conferências. 

Crown Fountain

Desenhado pelo artista espanhol Jaume Plensa e inspirado pelo povo de Chicago, The Crown Fountain é uma grande adição à coleção de arte da cidade mundialmente conhecida do público. O chafariz é composto por duas torres de blocos de vidro de 15 metros. As torres projetam imagens de vídeo a partir de um amplo espectro social que representa os cidadãos de Chicago, através da referência tradicional das antigas fontes, onde os rostos de seres mitológicos eram esculpidos com bocas abertas para permitir que a água saísse. Agora os rostos dessas pessoas de Chicago são projetados em telas de LED e com  água jorrando de suas bocas. A coleção de rostos foi feita a partir de uma seleção entre 1.000 habitantes. A fonte, que fica no canto sudoeste do Millennium Park em Michigan Avenue e Streets Monroe, é o preferido das crianças e famílias. As imagens permanecem  todo este ano. 

"A fountain is the memory of nature, this marvelous sound of a little river in the mountains translated to the city. For me, a fountain doesn't mean a big jet of water. It means humidity, the origin of life." Jaume Plensa

Candice Breitz

White Cube Hoxton Square acaba de exibir "Factum", uma exposição de novos trabalhos de Candice Breitz, terceira exposição da artista na galeria. Filmado em Toronto, no Canadá, "Factum" é uma série de retratos em vídeo in-depth de gêmeos - e um grupo de trigêmeos - que marca o profundo interesse de Breitz em duplicação, retratos e identidade.  Candice Breitz explora as forças internas e externas da individuação e da unidade. Breitz tem freqüentemente mostrado interesse nos modos de alternância do desejo e da repulsa , na mudança entre os amantes, os fãs e celebridades. "Factum" olha a intensidade dessas forças entre os gêmeos idênticos. Cada "Factum" é apresentado como um díptico (e um tríptico), sendo que cada dupla ou trio ao lado de seu irmão ou irmã, vestida de forma quase idêntica e na mesma configuração. Breitz entrevista cada indivíduo sozinho por até sete horas, pedindo a cada dupla o mesmo conjunto de perguntas. A artista, em seguida, transcreve e analisa cada par de entrevistas antes de editar o material em uma conversa dinâmica entre os irmãos, com o entrelaçamento do  documentário e ficção constantemente em jogo. As respostas muitas vezes emocionais, revelam a estranheza, as alegrias e dificuldades de viver a vida em paralelo com alguém que compartilha seu código genético exato e que ainda possui uma identidade distinta, com desejos e gostos que podem diferir de maneira sutil ou significativa. Enquanto a entrevista inicial permitiu que cada dupla ou trio pudesse contar sua própria história sem sentir o peso da presença de um irmão, Breitz complica essa relação na obra acabada, introduzindo o outro gêmeo como um interlocutor, que oferece uma perspectiva diferente, com o artista também implicitamente presente como um "terceiro autor ', nas biografias. Através deste formato, como sublinha Breitz qualquer biografia torna-se uma negociação entre as diversas relações, circunstâncias e desejos - para não falar de um património genético.

Daniel Rybakken

Daylight Entrance, Stockholm, 2010

Daniel Rybakken desenhou uma luminária incorporada diretamente na arquitetura. Foi instalada na entrada de um grande edifício de trabalho na área central de Stockholm. A entrada e as escadas não possuem luz natural, portanto o lugar ideal pra instalar essa moderna luminária que imita a sensação positiva da luz solar. A parede é feita de um material metálico muito resistente e a luz é gerada através de um backlight sutil com 6.000 lâmpadas LED.

objeto verde

capim gigante, pra deitar e relaxar. Fabricado em espuma de poliuretano frio tratada com tinta verde washble Gufla *não consegui identificar o autor, infelizmente.

via: http://www.vulgare.net/

moment in time

Minha foto saiu no moment in time do New York Times no dia 2 de maio. Adorei.

O The New York Times teve, desde 8 de Abril, um espaço aberto à colaboração de todo o mundo, através da sua secção Lens:

“Wherever you are, we hope you’ll have a camera — or a camera phone — in hand,” we said grandly on April 8, as we extended our invitation to the “Moment in Time” project. “And we hope you’ll be taking a picture to send to Lens that will capture this singular instant in whatever way you think would add to a marvelous global mosaic; a Web-built image of one moment in time across the world.”

string gardens

Flora voadora muito especial

http://www.stringgardens.com

Michael Schlegel

adoro as formas pretas e as brancas,

e claro...o tempo.

http://butterfliesdontfly.blogspot.com/2010/04/michael-schlegel.html

Tadao Ando + Naoshima

fotos: Hotel "The Oval" de Tadao Ando, a obra de Walter de Maria,

Seen / Unseen Know / Unknown de Walter de Maria: são “olhos” de granito que vêem e refletem a paisagem.

Nascido em Osaka em 1941, Tadao Ando constitui um caso invulgar, na medida em que é um autodidata em Arquitetura, em grande parte graças às suas viagens aos Estados Unidos, Europa e África (1962/69). Fundou a empresa Tadao Ando Architect & Associates em Osaka, em 1969. Quando Ihe perguntam como nasceu o seu interesse pela arquitetura, responde: «Acontece que se faziam construções no sítio onde eu morava, quando eu tinha quinze anos, e eu travei conhecimento com alguns carpinteiros. Mais ou menos na mesma época, encontrei num sebo um livro sobre a obra completa de Le Corbusier. Copiei alguns dos seus desenhos, e diria que foi assim que comecei a interessar-me ela arquitetura». Vencedor do Premio Carisberg em 1992, do Premio Pritzker em 1995, do Premium Imperiale em 1996 e da Medalha de Ouro do Royal Institute of British Architects em 1997, Tadao Ando é um dos arquitetos mais respeitados do mundo. Nem a melhor fotografia nem o desenho mais minucioso conseguem reproduzir os efeitos da mudança da luz à medida que o sol se esconde atrás do Templo de Hompuku-ji , na ilha de Awaji , sobranceiro à Baía de Osaka. Todavia, o essencial da sua obra só pode captar-se através desses instantes fugidios, quando a presença da natureza se impõe e depois desaparece atrás das paredes. Tadao estabelece em suas obras relações entre três principais elementos: a ordem, as pessoas e a força emotiva. Faz isso muito bem usando elementos naturais como a luz, que é um fator importante em todos seus projetos, o céu e o vento.

Naoshima

Acabo de ver no TIME, as cinco razões pra se visitar a ilha Naoshima no Japão. Duas décadas atrás, a pequena ilha japonesa de Naoshima era uma comunidade de pesca em declínio. Hoje, é um centro de arte contemporânea. Seu renascimento começou quando editora japonesa Benesse decidiu que as praias ensolaradas de Naoshima e seu interior arborizado seria o lugar perfeito para Benesse Art Site Naoshima, apresentando os artistas mais up-and-coming japonês ao lado de talentos internacionais. Eles não poderiam ter escolhido um local mais maduro do que o lugar que já foi apelidado de Arte Island. Aqui estão cinco de suas principais atrações:

1. BENESSE HOUSE A coleção impressionante dentro da Casa Galeria projetada por Tadao Ando www.naoshima-is.co.jp, inclui obras de Hockney, Pollock e Warhol, mas é o 19 instalações ao ar livre, definido como uma trilha sonora natural de ondas sobrepostas e canto dos pássaros, que rouba o show. Entre elas estão esculturas de Yayoi Kusama / Walter de Maria / Desconhecido, um par de esferas de granito 2 m de altura que pegam reflexos deformados do litoral de Naoshima sobre as suas superfícies polidas 2. HONMURA PROJET ART HOUSE À primeira vista, Honmura é uma sonolenta aldeia de pescadores bem pitoresca, mas se olhar mais de perto você vai descobrir que um punhado de velhas casas de madeira e o santuário da aldeia, foram transformados em instalações de arte permanente, como parte do curso de Arte House Project, www.naoshima-is.co.jp 3. 007 MAN WITH THE MUSEUM TATTOO RED Mais como o sótão de um colecionador maluco que um museu convencional, o único quarto repleto de recordações de James Bond 4. CHICHU ART MUSEUM Inaugurado em 2004, Chichu Art Museum, www.chichu.jp, abriga uma coleção que inclui obras de Claude Monet, Walter de Maria e James Turrell. O prédio, outra das criações Ando Naoshima, é uma casa de concreto construída como uma caverna discreta na encosta, e poderia qualificar como uma obra de arte por si só. 5. I LOVE YU A artista moderna japonêsa Shinro Ohtake se apropriou do tradicional banho público, I Love Yu. Fez tanto um jogo de palavras (yu significa água quente em japonês) e uma instalação de arte totalmente funcionais. A melhor maneira de misturar a arte pop, e ver os mosaicos e erotismo ocasional no reboco das paredes do balneário - dentro e por fora - é ficar nu e mergulhar nas banheiras comuns.Leia mais: http://www.time.com/time/travel/article

www.time.com/time/photogallery

Pascal Broccolichi

Raccorama 1998-2009

Um artista de obras sonoras. Espalhou pó de mica no chão, em pilhas estritamente idênticas com um padrão enfatizado pela luz fria dos holofotes de iodeto, de projetores. A difusão de várias colunas é composta usando um software "de síntese granular", que simula o comportamento do fluxo de som em movimento. O ponto de partida de uma exposição de Pascal Broccolichi é normalmente a estreita relação criada entre a escuta e inúmeras experiências proporcionadas pelos "ruído de fundo". Portanto, não se pode acessar totalmente as instalações do artista, sem permanecer tempo suficiente dentro dos seus sons. Formas representativas estão nos objetos ao mesmo tempo questionando a noção de escultura, e as máquinas que geram as ondas que ressoam de acordo com as leis da acústica em todo o espaço expositivo. O silêncio é aspecto essencial do ritmo e, mais do que qualquer outro, elemento recorrente na maioria de suas obras. Pascal Broccolichi, artista sonoro estudou na Escola de Arte Villa Arson (Nice - França). O trabalho dele baseia-se em ouvir e, mais especificamente, cria um vocabulário de formas sonoras e matéricas que criam suas instalações. Como um quadro de sua pesquisa, o artista desenvolveu uma rede de múltiplos ambientes ligados por relações contínuas entre um trabalho e outro. Pelo espalhamento dos princípios habituais de certas leis acústicas e seus campos de aplicação tecnológica em torno do espaço de exposições de arte, Pascal Broccolichi coordena a tipologia dos sons com as nossas capacidades de percepção. Sua obra também se apresenta em acervos públicos como o Nouveau Musée National de Monaco, a FNAC, o Limousin FRAC, o Paca FRAC, MAMAC de Nice, e em numerosas colecções particulares.

http://www.pascalbroccolichi.com/