Riitta Ikonen e Karoline Hjorth

Em 15 de fevereiro, Riitta Ikonen e Karoline Hjorth começaram um novo capítulo com Eyes as Big as Plates / Olhos tão grandes quanto pratos, como parte do programa de Recesso da assinatura, a Sessão. Sessão convida artistas para usar o espaço público Recess como estúdio, local de exposições, e experimentação. Ao longo de sua sessão, Ikonen e Hjorth criaram figurinos, cenários, e programas de desempenho para os residentes seniores de Nova York, que mostram uma ligação marcante com suas raízes nacionais e culturais. As artistas exploraram paisagens mentais subjetivas com a personificação da natureza, desenvolvendo uma série de fotografias e performances. Riitta Ikonen, fotografa e figurinista, em colaboração com a artista norueguêsa Karoline Hjorth , o projeto foi criado durante uma residência no Centro de Arte e KINOKINO Cinema na Noruega.

Ikonen criou uma série de figurinos personalizados usando materiais orgânicos , e desenvolvidos a partir de entrevistas e atividades com os participantes seniores.Trabalhando com os moradores da Casa Hamilton-Madison - Prefeitura Senior Center em Manhattan, os participantes são estimulados a contribuir com ideias e histórias para as fotos e para emprestar sua própria personalidade para trajes de Ikonen. Hiorth filmou as histórias selecionadas em locais nos arredores de Nova York, especialmente entre as hidrovias de Red Hook.

As fotografias usam referências do folclore americano. Cada imagem irá apresentar uma figura solitária numa paisagem, vestida de elementos do ambiente que não indicam tempo nem lugar, estimulando um sentido de atemporalidade e universalidade. Esta mistura de pessoa e ambiente recorda a forma como as narrativas folclóricas animam o mundo natural através de uma personificação da natureza. As figuras dos idosos nas paisagens sugere um retorno à Terra, uma celebração da vida vivida, reforçando a ligação entre a humanidade e o mundo natural. A exposição conta com uma apresentação final dos trajes, fotografias e artefatos.

Sobre os artistas:

Riitta Ikonen received her BA from the University of Brighton and her MA from Royal College of Art in London. She lives and works in New York City and London. She has exhibited her work at Museum of Contemporary Art Kiasma in Helsinki, London 2012 Olympic Park, Seibu Shibuya in Tokyo, Winzavod Art Center in Moscow, Hockney Gallery and the annual RCA Secret exhibition at Royal College of Art, Photographer's Gallery, Tate Britain, Gulbenkian foundation headquarters and the Victoria and Albert Museum in London. She is a recipient of the Michael Peters award for Interdisciplinary Collaboration, winner of the Beck's canvas competition in 2008 and in 2011 she was the artist in residence at KINOKINO arts center in Norway. Ikonen is the artist in residence with SPARC (Seniors Partnering with Artists Citywide ) in Manhattan through Lower Manhattan Cultural Council (LMCC) from January through June 2013.

Karoline Hjorth is based in Oslo and works as a photographer, journalist and sailor. She received her BA in Photographic Arts from University of Westminster in London and her MA in International Journalism from the same university. Her photographic work has received the Deloitte Award at the National Portrait Gallery in London and has been exhibited internationally. She released the book Mormormonologene (Nana Monologues) in 2011 and the second edition was published in 2012. Para pedidos de imagens ou mais informações contactar: info@recessactivities.org.

Riitta Ikonen and Karoline Hjorth:
Eyes as Big as Plates

February 15 – April 26, 2013
Performance & Reception: March 22, 6-8 pm

Recess in Red Hook
159 Pioneer Street
Brooklyn, NY 11231

riittaikonen.com

eyesasbigasplates.wordpress.com

Jim Hodges

Fotos de David Regen. Jim Hodges - Sem título, 2011.Granite, aço inoxidável e lacquer.75 x 248 x 301 polegadas instalado. Direitos Autorais Jim Hodges - Cortesia Gladstone Gallery, Nova York e Bruxelas

A Gladstone Gallery tem o prazer de anunciar a sua nova exposição com os novos trabalhos de Jim Hodges , que que ocupa ambos os espaços da galeria,no Chelsea e marca o primeiro projeto da artista em New York. Por mais de duas décadas, Hodges tem utilizado uma ampla gama de materiais do cotidiano para criar obras que transformam esse objeto num local onde o pessoal, político e universal se fundem através de gestos simples e poéticos. Retomando modos variados de processo e produção, a prática de Hodges resiste aos objetivos de um discurso atemporal, procura evidenciar o imemorial e em vez disso oferece obras em várias camadas que evocam temas ressonantes tais como identidade, perda, mortalidade e amor.  

Nesta exposição em duas partes, Hodges apresenta várias novas grandes obras escultóricas que investigam as noções de tempo, movimento, cor e reflexão. Ampliando seu uso frequente de elementos espelhados, Hodges expõe sua maior escultura espelhada até agora, criando uma zona contemplativa ainda com fratura de reflexão e refração. Uma instalação do tamanho da sala, inspirada pela recente viagem da artista a Índia, demonstra um foco mais concentrado na cor, o desempenho da saturação, nos levando à introspecção, e dentro da noção de tempo e movimento. Mesclando o real com o imaginado, um agrupamento monumental de esculturas perfeitamente se justapõe em densas formas orgânicas, e materiais sintéticos. Movendo-se entre diferentes meios e formas contrastantes, Hodges incorpora cada uma com um sentido carregado de sua própria autoria e uma infinidade de possibilidades metafóricas. Jim Hodges nasceu em 1957, em Spokane, Washington e recebeu seu mestrado pela Pratt Institute no Brooklyn, NY. Sua obra tem sido objecto de inúmeras exposições individuais, incluindo: o Centro Pompidou, Paris; Arte Camden Centre, de Londres, o Aspen Art Museum; CGAC, Santiago de Compostela, Espanha; Ensino Tang Museum and Art Gallery em Skidmore College, Saratoga Springs , NY, e do Museu de Arte Contemporânea de Chicago. Hodges foi recentemente nomeada para atuar como Diretora Interina do Departamento de Escultura de Pós-Graduação na Escola de Arte da Universidade de Yale para o ano acadêmico de 2011/2012 . 

515 West 24th Street | 530 Ocidente 21st Street, NY

05 de novembro através de 23 dezembro de 2011

www.gladstonegallery.com

www.jimhodges.com

Lynda Benglis

Ao longo dos últimos quarenta anos, Lynda Benglis desenvolveu uma linguagem distinta e influente escultural. Benglis ganhou destaque durante a década de 1960 e 70, uma época em que sua prática singular cruzou e transcendeu as categorias de pós-minimalismo e da arte feminista. As esculturas dela sugerem uma série notável de influências, incluindo os gestos da pintura expressionista abstrata, os fluxos geológicos e "totens cerimoniais". Eles confiam em ambos expondo o processo de elaboração e de ilusão para criar formas suntuosas. Nasceu na Louisiana e se mudou para New York em meados dos anos 1960 e começou sua carreira como pintora influenciada pelo minimalismo e pintura. Em 1968, ela começou a criar suas "pinturas Fallen" com  látex coloridos em sobreposição caindo no chão. Aos poucos expande seus materiais e descobre  a espuma de poliuretano, cera, gesso, alumínio fundido e bronze, para citar apenas alguns. Criar objetos com os laços palpáveis de seu corpo e suas possíveis ações, têm sido muitas vezes descrito como um "gesto congelado." A presente exposição, a primeira retrospectiva da artista em Nova York e a primeira em 20 anos, mede o intervalo de carreira do Benglis incluindo seus quadros de cera antigos, sua coloridas obras de látex derramado, o "Torsos" e "nós" da série dos anos 1970, e suas experiências recentes com plásticos, fundição, vidro, papel e folha de ouro. Ele apresenta uma série de obras raramente expostas e históricas, incluindo Phantom (1971), uma instalação de poliuretano dramática composta por cinco esculturas monumentais que brilham no escuro, e a instalação estruturas primárias (de Adereços) , exibido pela primeira vez em 1975. Juntamente com a sua produção escultórica, Benglis criou um corpo solido de trabalhos em fotografia, vídeo e intervenções de mídia que exploram noções de poder, relações de gênero, e role-playing. Estas obras funcionam em conjunto com suas esculturas e oferecem uma crítica afiada ao machisimo escultural e sugere uma consciência fluida de gênero e identidade artística. Eles também contribuem para a compreensão de objetos da artista como simultaneamente temporal e fisicamente presente, intuitivo e psicologicamente carregado. Esta exposição é organizada pelo Museu Irlandês de Arte Moderna, em Dublin, em colaboração com Van Abbemuseum, Eindhoven, Le Consortium, Dijon, o Museu de Arte, Rhode Island School of Design, Providence e New Museum, Nova York.
http://www.newmuseum.org
Lynda Benglis 9 de fevereiro / 19 de junho de 2011 
New Museum
235 Bowery /New York, NY 10002 / 212.219.1222