Kate MccGwire

A escultora britânica Kate MccGwire cria esculturas orgânicas estranhas a partir de camadas de penas de aves . Os objetos que ela cria são tão precisamente montados que parecem formar criaturas híbridas com tentáculos ou membros que se torcem e curvam-se em formas inesperadas.

MccGwire cresceu no Norfolk Broads , numa rede de rios e lagos , no leste da Inglaterra, onde a conexão com a natureza e fascínio com as aves foi alimentada a partir de uma idade precoce. Hoje a artista pacientemente recolhe penas das asas de pombo e patos  que são cuidadosamente lavados e classificados em preparação para cada nova escultura.

Se você quiser ver o seu trabalho em primeira mão este mês você está com sorte , já que ela tem atualmente peças e instalações em nada menos que quatro exposições permanentes . Você pode parar por Gaasbeek Castle na Bélgica a 3 de novembro, a Cheongju Bienal Internacional de  2013 na Coreia do Sul a 20 de outubro de Cheltenham Art Gallery and Museum , e a exposição Room at the Crypt na Igreja Marylebone , em Londres.

Issac Cordal

The BLK River Festival em Viena recebe alguns dos representantes mais significativos da cena artística internacional de rua em Viena: Issac Cordal No mês de setembro, os artistas de todos os continentes são convidados a realizarem projetos em vários locais da cidade de Viena . Black River utiliza toda a cidade. Pisque e você pode perder de vista a instalação, pois elas são muito sutís. Transformando a paisagem urbana em si mesma, com instalações que são quase imperceptíveis pela sutileza. Isaac Cordal usa a funcionalidade cinza do cimento para questionar a falta de cor e vibração em grande parte de nossas vidas através de sua pequena figuras. Lidar igualmente com a erradicação virtual do mundo natural na matriz urbana, o anonimato da vida da cidade, a falta de sentimento entorpecido e da cegueira para as realidades dos outros . Como seus "everymen" espalhados por todo o mundo em contemplação silenciosa e oprimidos, Isaac conta que Estudou Belas Artes em Pontevedra, uma pequena cidade no noroeste da Espanha. Começou seus trabalhos em 1999. "Eu comecei a fazer esculturas de cimento quando eu estava na Escola de Arte em 2002, mas não foi até 2006, quando eu comecei a usá-los nas ruas. O primeiro lugar eu deixei uma escultura de cimento eclipses foi na cidade de Vigo. Cement Eclipses é uma crítica / definição de nosso comportamento como uma massa social. Este projeto tem a intenção de chamar a atenção sobre a nossa relação com a natureza desvalorizada através de um olhar crítico para os efeitos colaterais da nossa evolução. Estas cenas são pequenos "zooms" nas tarefas de rotina do ser humano contemporâneo. Eles apresentam fragmentos em que a natureza, ainda presente, mantém sintomas encorajadores de sobrevivência. A precariedade dessas estatuetas anônimas, na altura da sola dos transeuntes, representa os restos nômades de uma construção imperfeita de nossa sociedade. Estas pequenas esculturas contemplam a demolição e reconstrução de tudo o que nos rodeia. Eles chamam a atenção do absurdo da nossa existência." 

Jeppe Hein

Jeppe Hein (nascido em 1974, Copenhagen, Dinamarca) é um artista que mora em Berlim e Copenhague. [1] Hein é amplamente conhecido por sua produção de obras de arte vivenciais e interativas onde a mistura da arquitetura, arte e técnica se cruzam . Notável em sua simplicidade formal e uso freqüente de humor, suas esculturas e instalações te envolvem em um diálogo vivo com as tradições do minimalismo e da arte conceitual da década de 1970. As obras de Hein, muitas vezes apresentam elementos surpreendentes e cativantes que colocam os espectadores no centro da experiência e percepção do espaço circundante.

Trabalhos com espelhos geométricos.

"Os espelhos geométricos é uma série de objetos/esculturas com ângulos de espelho, cada um constituído por dois espelhos ligados uns aos outros em ângulos de 90 °, para formar um canto. Considerando que os espelhos refletem simplesmente o espaço, quando vistos de lado, um fenômeno óptico interessante  ocorre quando a instalação é vista de frente. O ângulo reto provoca uma reflexão dupla, como cada um dos dois espelhos reflete não apenas a localização mas também o outro espelho. As larguras são estendidas, parecendo continuar no outro lado, daí, para o observador aparece uma cruz espelhada."JH.

Siga-me por Jeppe Hein. (Foto por Jamie Woodley)

Mais arte espelho. Siga-me é uma instalação feita pelo artista dinamarquês Jeppe Hein, e fica especial com a luz do sol e as árvores refletida de seus painéis. O Labirinto de Hein é uma instalação nova e permanente em razão da Real Fort House, da Universidade de Bristol, os jardins são abertos ao público para que qualquer pessoa pode pagar o trabalho de uma visita. A obra compreende um labirinto quadrado de 76 placas verticais de aço polido localizadas na base do plano inclinado do Royal Fort House. Os visitantes são incentivados a entrar no labirinto para experimentar o efeito do trabalho onde tudo é multiplicado.

Hein has had solo exhibitions at the 21st Century Museum of Contemporary Art, Kanazawa; and Art Tower, Mito; the Neues Museum, Nürnberg; Indianapolis Museum of Art (2010)[17]; Perth Institute of Contemporary Arts; ARoS Aarhus Kunstmuseum, Århus (2009)[18]; Sculpture Center, New York[19]; and P.S.1 MOMA[20], New York (2004). He has participated in solo and group exhibitions at Museum of Contemporary Art, Chicago; Contemporary Art Gallery, Vancouver; Tate Modern, London[21]; Barbican Art Centre, London (2007)[22]; Centre Georges Pompidou, Paris; MOCA, Los Angeles; and 50th Venice Biennale (2003). Catalogues of Hein's work have been published by ARoS Aarhus Kunstmuseum, Musée d'art contemporain de Nimes, Koenig Books, Villa Manin, and the Centre Pompidou. Hein lives and works in Berlin. Jeppe Hein is represented by Johann König in Berlin, 303 Gallery in New York, Galleri Nicolai Wallner in Copenhagen and SCAI - The Bathhouse in Tokyo.

Richard Serra

Richard Serra usou 56 placas de de aço, na Fazenda Gibbs que se inclinam para fora por 11 graus em relação à vertical e traçam uma linha de contorno único na terra de uma forma que, nas palavras do artista, "recolhe o volume da terra." O trabalho é uma característica das relações fortes que se formaram entre o coletor e os artistas que tem obras em sua fazenda. Serra diz que no encontro com Gibbs, "A primeira coisa que ele me disse foi" Eu tenho estado a Storm King  e eu quero uma parte mais significativa do que isso. Eu não quero qualquer peça fracote na paisagem. "

Gibbs Farm é um cenário incomum para uma coleção de esculturas. O Norte da propriedade em Auckland, na Nova Zelandia, é dominado pela Porto Kaipara, o maior porto do hemisfério sul. Tudo na propriedade e, eventualmente, flui em direção ao mar, e toda a obra se relaciona de alguma forma com o mar. O fluxo da terra, o imenso corpo de água, e a variedade assertiva dos elementos têm tudo se impuseram sobre os artistas. Gibbs reconhece que "o desafio para os artistas é a escala da paisagem, que inicialmente assusta" e exige mais alguma coisa deles. Andando pelas terras os visitantes podem apreciar a forma como cada artista chegou a um acordo em seu próprio caminho com a força gravitacional que é exercida sobre todas as coisas como as montanhas rolam em colinas, vales e encostas para baixo em direção a vasta extensão plana do porto Kaipara.

Depois de quase 20 anos Gibbs Farm inclui grandes obras de Graham Bennett, Chris Booth, Buren Daniel, Bill Culbert, Dawson Neil, de Marijke Goey, Andy Goldsworthy, Hotere Ralph, Anish Kapoor, LeWitt Sol, Len Lye, Moisés Russell, Peter Nicholls, Eric Orr, Tony Oursler, George Rickey, Peter Roche, Richard Serra, Kenneth Snelson, Richard Thompson, Leon van den Eijkel e Zhan Wang. A maioria dos trabalhos na coleção são comissionados e o comissionamento de novas obras ao invés de comprar de uma exposição envolve a satisfação de lidar com os artistas, como cita o comentário de Gibbs "eles são interessantes porque são vencedores, duros, ambiciosos".

http://gibbsfarm.org.nz/serra.php

Annie Vought

Annie Vought (n. 1977) é um artista que mora em Oakland na Califórnia. Seu trabalho explora povos e artefatos emocionais, especificamente letras e manuscritos. Ela tem uma presença de longo alcance na web e já expôs extensivamente. Em 1999 ela co-dirigiu A Galeria de Orçamento: uma galeria de arte itinerante em San Francisco, bem como Galeria Boathouse. Em 2009, Annie recebeu seu MFA de Mills College. Annie foi criada em Santa Fé do Novo México. Ela cresceu cercada pelas artes. Seu pai é um pintor e sua mãe e padrasto são músicos. Ela agora vive em Oakland com o marido e cachorro grande. Ela é uma ávida leitora e provavelmente assiste a muita TV. na sua série de correspondência cut-out, Vought relata várias notas rabiscadas à mão, cartas que ela teria encontrado, por escrito, ou recebidas , ampliando estas correspondências sobre um pedaço grande de papel. Ela esculpiu e  reinventou as comunicações imediatas, revelando uma rede de cartas interligadas com caligrafia dela, muitas vezes, e com a escolha de palavras e  erros ortográficos e de qualidade humana do autor original. 

Doris Salcedo

Uma das artistas mais consagradas da arte contemporânea. Fiquei muito impressionada com esse trabalho: "Oração Silenciosa" ou "Prece Muda", que ja foi vista em alguns lugares e épocas diferentes e agora chega à Roma, no MAXXI arte - Museu Nacional do século XXI das artes.  Ela é de Bogotá, nasceu em 1958. As esculturas e instalações de Doris Salcedo relacionam-se fortemente com episódios de violência política, debruçando-se sobre algumas tragédias públicas vividas na história recente e chamando a atenção para os traumas pessoais das vítimas. O conceptualismo do trabalho de dela em nada atenua a responsabilidade social sentida enquanto artista, rejeitando o lugar passivo de testemunha. Pelo contrário, as suas obras são pensadas como estratégias contra o silêncio e o esquecimento. Em Plegaria Muda (Oração Silenciosa) encontram-se todas as características que se tornaram marcas autorais da artista: a utilização de madeiras velhas já usadas, contentores de vivências e memórias; o objecto como vestígio, marca da existência de um corpo que já lá não está, de uma acção que não vimos, de actos de exclusão e da passagem inexorável do tempo.

Doris Salcedo faz esculturas e instalações que funcionam como a arqueologia política e mental, utilizando materiais nacionais carregadas de significado e repletos de significados acumulados ao longo de anos de uso na vida cotidiana. Salcedo muitas vezes leva acontecimentos históricos específicos como o seu ponto de partida, transmitindo encargos e os conflitos com os meios precisos e econômicos. Suas primeiras esculturas e instalações, tais como La Casa Viuda (1992-1995), combinadas com mobiliário doméstico têxteis e vestuário. Salcedo derivado seus materiais de pesquisa sobre a história recente da Colômbia político, assim que estes pertences, impregnado com a pátina de uso, estavam diretamente ligados à tragédia pessoal e política. Durante os últimos anos, o trabalho de Salcedo tornou-se cada vez mais a instalação, usando-se os espaços de galeria ou locais incomuns para criar ambientes vertiginosas encarregados de política e história. Noviembre 6 y 7 (2002) foi uma comemoração do décimo sétimo da apreensão violenta do Supremo Tribunal Federal, Bogotá, em 6 e 7 de Novembro de 1985. Salcedo situou o trabalho no novo Palácio da Justiça onde, ao longo de 53 horas (a duração do cerco), cadeiras de madeira foram abaixadas lentamente contra a fachada do edifício a partir de pontos diferentes no seu teto, criando "um ato de memória "para re-habitar este espaço de esquecimento. Em 2003, em Istambul, ela fez uma instalação em uma rua esquecida com 1.600 cadeiras de madeira empilhadas de forma precária no espaço entre dois prédios. Em 2005, no Castello di Rivoli, Turim, Salcedo re-trabalhou numa das salas principais da instituição através do alargamento do já existente majestoso teto abobadado de tijolos da galeria. A instalação sutilmente transformou o espaço existente, evocando pensamentos de encarceramento e sepultamento.

Doris Salcedo já expôs em mostras coletivas internacionalmente, incluindo 'The New Décor ", Hayward Gallery, Londres (2010)," NeoHooDoo ", Centro de PS1 Contemporary Art, Nova York e O Menil Collection, Houston (2008), 8 º Bienal de Istambul (2003) , Documenta XI (2002) e XXIV Bienal de São Paulo (1998). Exposições individuais incluem "prece Muda ', perímetro braquial, México; Moderna Museet, Malmö (2011) e' Nem ', Inhotim, Centro de Arte Contemporânea, Belo Horizonte, Brasil (2008)," Shibboleth ", Tate Modern, Londres (2007) , e da Tate "Uhland" Grã-Bretanha (1999), San Francisco Museum of Modern Art (1999 e 2005), Camden Arts Centre, Londres (2001) e New Museum of Contemporary Art, New York (1998).

Doris Salcedo: prece muda ou mudo oração 

MAXXI arte - Museu Nacional de século XXI artes, Roma, Itália 

aberto até 24 de junho de 2012

Jim Hodges

Fotos de David Regen. Jim Hodges - Sem título, 2011.Granite, aço inoxidável e lacquer.75 x 248 x 301 polegadas instalado. Direitos Autorais Jim Hodges - Cortesia Gladstone Gallery, Nova York e Bruxelas

A Gladstone Gallery tem o prazer de anunciar a sua nova exposição com os novos trabalhos de Jim Hodges , que que ocupa ambos os espaços da galeria,no Chelsea e marca o primeiro projeto da artista em New York. Por mais de duas décadas, Hodges tem utilizado uma ampla gama de materiais do cotidiano para criar obras que transformam esse objeto num local onde o pessoal, político e universal se fundem através de gestos simples e poéticos. Retomando modos variados de processo e produção, a prática de Hodges resiste aos objetivos de um discurso atemporal, procura evidenciar o imemorial e em vez disso oferece obras em várias camadas que evocam temas ressonantes tais como identidade, perda, mortalidade e amor.  

Nesta exposição em duas partes, Hodges apresenta várias novas grandes obras escultóricas que investigam as noções de tempo, movimento, cor e reflexão. Ampliando seu uso frequente de elementos espelhados, Hodges expõe sua maior escultura espelhada até agora, criando uma zona contemplativa ainda com fratura de reflexão e refração. Uma instalação do tamanho da sala, inspirada pela recente viagem da artista a Índia, demonstra um foco mais concentrado na cor, o desempenho da saturação, nos levando à introspecção, e dentro da noção de tempo e movimento. Mesclando o real com o imaginado, um agrupamento monumental de esculturas perfeitamente se justapõe em densas formas orgânicas, e materiais sintéticos. Movendo-se entre diferentes meios e formas contrastantes, Hodges incorpora cada uma com um sentido carregado de sua própria autoria e uma infinidade de possibilidades metafóricas. Jim Hodges nasceu em 1957, em Spokane, Washington e recebeu seu mestrado pela Pratt Institute no Brooklyn, NY. Sua obra tem sido objecto de inúmeras exposições individuais, incluindo: o Centro Pompidou, Paris; Arte Camden Centre, de Londres, o Aspen Art Museum; CGAC, Santiago de Compostela, Espanha; Ensino Tang Museum and Art Gallery em Skidmore College, Saratoga Springs , NY, e do Museu de Arte Contemporânea de Chicago. Hodges foi recentemente nomeada para atuar como Diretora Interina do Departamento de Escultura de Pós-Graduação na Escola de Arte da Universidade de Yale para o ano acadêmico de 2011/2012 . 

515 West 24th Street | 530 Ocidente 21st Street, NY

05 de novembro através de 23 dezembro de 2011

www.gladstonegallery.com

www.jimhodges.com

Michael Johansson

                                            
                                            

Michael 

Johansson nasceu em Trollhättan, na Suécia, em 1975, e se graduou na Art Academy de Malmö em 2005, onde ainda vive e trabalha. Nas suas divertidas instalações e esculturas, ele coloca peças do dia a dia na posição de seus campos de aplicação. 

O trabalho desse cara é incrível, desenvolveu diversas obras chamadas de “Neat Freak” (maluco por organização, por limpeza). Objetos de escalas variadas, instaladas dentro e fora de espaços variados, sempre preenchendo cada pedaçinho com coisas. 
"Como uma criança, eu era fascinado construção de modelos. Lembro-me de romper as peças do torno com varas plásticas que eram as sobras do processo de fundição e, posteriormente, ia colando os pedaços de volta juntos na ordem correta, seguindo o manual de instruções. uma moto real é transformado novamente em um espaço da imaginação. por isso eu queria abordar as similaridades entre diferentes contextos e conceitos como tamanho e de pertencimento".http://www.michaeljohansson.com

Rachel Kneebone

    

Hoje me lembrei das porcelanas da artista Rachel Kneebone, que expos seu ultimo trabalho, "Lamentações de 2010", no mes de janeiro na White Cube H. S. Suas porcelanas tem um espaço muito paticular e único nas artes da atualidade. Seu trabalho busca expressar a morte, a perda e o luto.Um olhar atento aos transtornos internos do coração e das figuras que desmoronam. A volatilidade e a visceralidade entrelaçadas e sufocadas até a morte. Pernas e falos se embolam e criam portais retorcidos e nodosos. Uma vertigem pro olhar e pros sentidos. Kneebone sempre parte de referencias fortes em seu trabalho, como Ovídio, Rodin (The gates of Hell), Michelangelo (Pietá) e as bonecas de Hans Bellmer. Nascida em 1973, em Oxfordshire, Rachel Kneebone vive e trabalha em Londres. Exposições recentes incluem "A nossa forma de trabalhar" em Camden Arts Centre, Londres (2005), "Uma arqueologia, Projeto Espaço 176, de Londres (2007)," Summer Exhibition ", a Royal Academy of Arts, Londres (2008), Bienal de 17 de Sydney (2010), Fellbach Trienal (2010), "A Casa Surreal", Barbican Art Gallery, Londres (2010) da Bienal de Busan 2010 na Coreia do Sul.

Um catálogo totalmente ilustrado, com textos de David Elliot e Neilson Elizabeth, acompanhou a exposição. http://www.whitecube.com/exhibitions/rk%202010/

Gabriel Dawe

Gabriel Dawe faz instalações de grande escala A série Plexus das instalações site-specific são um reflexo de nossa necessidade de abrigo. Dawe explica melhor o conceito: "Entre inúmeras outras razões, nós usamos roupas para nos proteger dos elementos, da mesma forma, uma das funções da arquitetura é proteger-nos da inclemência do tempo. Ao tomar o principal componente do vestuário.. - costura - e gerando uma estrutura arquitetônica, escala e material são revertidos para criar uma nova construção que abriga não mais as necessidades materiais do corpo, mas cria algo que é um símbolo da humanidade, as estruturas não-físicas que precisamos para sobreviver como uma espécie. "
http://www.gabrieldawe.com/