Rothko / Sugimoto

Um verdadeiro luxo poder ver juntos Rothko e Sugimoto, que inauguram a nova Pace Gallery de Londres.

Rothko / Sugimoto exposição inaugura Pace Londres, 6 Burlington Gardens

Logo depois de  seu recente anúncio de planos para abrir uma grande galeria, em Mayfair, Londres, Pace tem a honra de apresentar Rothko / Sugimoto: Pinturas escuras e Paisagens em 6 Burlington Gardens de 04 de outubro a 17 de novembro de 2012. A exposição inaugural justapõe o falecido Mark Rothko com suas pinturas em preto e cinza com fotografias contemporâneas de Hiroshi Sugimoto de corpos de água. A exposição marca a primeira apresentação  da galeria com os  trabalho de Rothko em Londres, em quase 50 anos e continua a tradição da Pace, com cinco décadas de exposições que exploram afinidades entre artistas que trabalham ao longo das décadas.

Pinturas escuras e Paisagens formam oito pares de pinturas acrílicas feitas por Rothko e oito gravuras de gelatina de prata por Sugimoto, revelando duas diferentes abordagens artísticas que chegam a conclusões semelhantes. Um feito épico unir os dois mestres, que nos mergulham num tempo infinito de mares escuros onde um tom sombrio de seriedade nos remete à "Ira de Aquiles" pra contemplar a mortalidade. Pois assim podemos ver Rothko na pura abstração com o trabalho de Hiroshi Sugimoto, com a fotografia de percepção do mundo. Caracterizada por um formato binário de preto e cinza retangulares, são elementos das afinidades filosóficas entre os dois artistas, cada um oferecendo uma meditação sobre preocupações universais e cosmológicas.

A exposição será acompanhada de um catálogo por Richard Shiff, a Marie Effie Caim Regents Presidente em Arte e diretor do Centro para o Estudo do Modernismo na Universidade do Texas em Austin. "Rothko e Sugimoto pensar em termos de eras e eras da história da vida orgânica, e não as décadas de suas próprias vidas", escreve Shiff. "Rothko havia dirigido a sua arte, como Sugimoto faz agora, a um sentido, primal evolutiva do ser humano. O que é verdade de Rothko e Sugimoto torna-se verdadeiro de todos nós quando assistimos à sua experiência, se encontramos os limites do sentimento humano e a percepção que as pinturas de Rothko e fotografias de Sugimoto representam. Nós, então, reconhecemos a condição de que já constitui a nossa vida ... Imerso no mar de um artista de luz , da natureza profunda. O conceito para a exposição se originou em 2010, quando Hiroshi Sugimoto entrou Pace e foi introduzida para Christopher Rothko, filho de Mark Rothko. Pace tem trabalhado com a família Rothko desde 1978 e apresentou 10 exposições dedicadas à história do trabalho do artista.Em preparação para a exposição, Sugimoto refletiu, "Por muitas décadas eu criei marinhas. Não retratar o mundo em fotografias, eu gostaria de pensar, mas sim projetando minhas paisagens marítimas internas para a tela do mundo.Céus agora formando retângulos brilhantes, a água agora está derretendo em retângulos líquido escuro. Eu às vezes acho que vejo um horizonte escuro cortando pinturas de Mark Rothko. É então eu inconscientemente perceber que as pinturas são mais verdadeiras do que as fotografias e as fotografias são mais ilusório do que pinturas. "

Pintado um ano antes de sua morte, pinturas escuras Rothko de 1969 representou a primeira ruptura radical de sua forma assinatura em mais de duas décadas. Ele abandonou tanto a faixa de orquestra e bancos cintilantes de cor que definiram seus trabalhos anteriores, reduzindo cada pintura de dois retângulos distintos, um escuro e um claro. Embora Rothko tenha se envolvido com a escuridão antes, nomeadamente nas pinturas Seagram de 1958-1959 e da Comissão para a Capela na Menil Collection em Houston 1964-67 na obra final, ele limitou sua paleta de preto e cinza, com traços de marrom escuro, marrom e azul visível. As pinturas são rodeados por uma margem branca, exclusivo para esta série, que isola o campo e enfatiza a sua planicidade. Embora sombrio e até mesmo elegíaco na cor e humor, as obras escuras relacionam menos com qualquer tragédia pessoal na vida de Rothko, e mais a eternas e despersonalizada questões metafísicas. Como o crítico Brian O'Doherty escreveu em seu ensaio pro catálogo de 1985, para a exposição de pinturas. Sugimoto marítimas (iniciada em 1980) retratam corpos de água do Canal Inglês para a baía de Sagami, cada fotografia na mesma composição gritante de uma linha do horizonte dividindo o céu e o mar. Dividido em dois retângulos um-escuro, um-luz a relação entre o mar e o céu assume uma geometria quase abstrata que carrega de imagem a imagem e oceano para oceano ao redor do mundo. Como Rothko, Sugimoto transmite uma gama impressionante de emoções dentro de um vocabulário limitado de tons de preto e branco e um formato fixo. Focalizando água e ar-as substâncias que deram origem à vida, os trabalhos evocam mares primordiais e as origens da consciência humana.

Issac Cordal

The BLK River Festival em Viena recebe alguns dos representantes mais significativos da cena artística internacional de rua em Viena: Issac Cordal No mês de setembro, os artistas de todos os continentes são convidados a realizarem projetos em vários locais da cidade de Viena . Black River utiliza toda a cidade. Pisque e você pode perder de vista a instalação, pois elas são muito sutís. Transformando a paisagem urbana em si mesma, com instalações que são quase imperceptíveis pela sutileza. Isaac Cordal usa a funcionalidade cinza do cimento para questionar a falta de cor e vibração em grande parte de nossas vidas através de sua pequena figuras. Lidar igualmente com a erradicação virtual do mundo natural na matriz urbana, o anonimato da vida da cidade, a falta de sentimento entorpecido e da cegueira para as realidades dos outros . Como seus "everymen" espalhados por todo o mundo em contemplação silenciosa e oprimidos, Isaac conta que Estudou Belas Artes em Pontevedra, uma pequena cidade no noroeste da Espanha. Começou seus trabalhos em 1999. "Eu comecei a fazer esculturas de cimento quando eu estava na Escola de Arte em 2002, mas não foi até 2006, quando eu comecei a usá-los nas ruas. O primeiro lugar eu deixei uma escultura de cimento eclipses foi na cidade de Vigo. Cement Eclipses é uma crítica / definição de nosso comportamento como uma massa social. Este projeto tem a intenção de chamar a atenção sobre a nossa relação com a natureza desvalorizada através de um olhar crítico para os efeitos colaterais da nossa evolução. Estas cenas são pequenos "zooms" nas tarefas de rotina do ser humano contemporâneo. Eles apresentam fragmentos em que a natureza, ainda presente, mantém sintomas encorajadores de sobrevivência. A precariedade dessas estatuetas anônimas, na altura da sola dos transeuntes, representa os restos nômades de uma construção imperfeita de nossa sociedade. Estas pequenas esculturas contemplam a demolição e reconstrução de tudo o que nos rodeia. Eles chamam a atenção do absurdo da nossa existência." 

Inspirada nas formas que percebemos os fenômenos temporais através do movimento, tanto visualmente e sonoramente, Surabhi Saraf usa sua experiência em som experimental, música clássica indiana e coreografia para criar áudio e obras em vídeo. Com um diversificado leque de técnicas, tais como a repetição, fragmentação e multiplicação, Surabhi projeta seqüências de movimentos rítmicos, a criação de estruturas de várias camadas de evolução dos padrões que retardam a nossa percepção do tempo.

Seu projeto FOLD  {performance ao vivo}, é uma série de apresentações públicas, em que a ação "diária" de dobrar roupa é captada e transformada em uma meditação em movimento lento. Em seus últimos desempenhos audiovisuais ,  Surabhi faz camadas com o som de sua voz sobre as percussões do grupo, que são incrementados por luzes e vídeo ao vivo, criando uma paisagem sonora envolvente.

Formou-se na Escola do Instituto de Arte de Chicago em 2009, com um mestrado em Arte e Tecnologia. Antes disso, ela obteve seu BFA em Pintura do MSU Baroda (Índia) em 2005. Surabhi é o vencedora de Arte vs Design (2009), organizado por artistas de Nova Iorque. Seu trabalho PEEL é o vencedor do Prêmio Celeste (2009), Itália. Seu vídeo dobrado foi anunciado o vencedor na categoria Filme Experimental no Festival de Cinema 2011 descartável. Trabalho colaborativo Surabhi com Nadav Assor, foi apresentado na 10 NETMAGE Internacional Live Media Festival, Bologna, Itália. Seus vídeos foram exibidos no Museu de Arte Americana Hunter Chattanooga, TN e do Museu de Arte Contemporânea, Vojvodina, Sérvia. Seus trabalhos individuais e colaborativos foram apresentados no Salão Links, Sullivan Galerias em Chicago e na Galeria Lab & SOMArts em San Francisco e Galeria de Arte Vadehra em Nova Deli, entre outros. Surabhi é o destinatário da Bolsa Internacional de Graduação na Escola do Instituto de Arte de Chicago. Ela também recebeu o Prêmio de Artista Residente Djerassi para uma residência meses em Woodside, Califórnia. Seus vídeos recentes foram apresentados em múltiplos de vídeo arte internacional do festival na Espanha, Holanda, Coréia do Sul, Israel, Grécia, Austrália e Itália. Surabhi atualmente vive e trabalha em São Francisco.

http://surabhisaraf.net/about/

Jeppe Hein

Jeppe Hein (nascido em 1974, Copenhagen, Dinamarca) é um artista que mora em Berlim e Copenhague. [1] Hein é amplamente conhecido por sua produção de obras de arte vivenciais e interativas onde a mistura da arquitetura, arte e técnica se cruzam . Notável em sua simplicidade formal e uso freqüente de humor, suas esculturas e instalações te envolvem em um diálogo vivo com as tradições do minimalismo e da arte conceitual da década de 1970. As obras de Hein, muitas vezes apresentam elementos surpreendentes e cativantes que colocam os espectadores no centro da experiência e percepção do espaço circundante.

Trabalhos com espelhos geométricos.

"Os espelhos geométricos é uma série de objetos/esculturas com ângulos de espelho, cada um constituído por dois espelhos ligados uns aos outros em ângulos de 90 °, para formar um canto. Considerando que os espelhos refletem simplesmente o espaço, quando vistos de lado, um fenômeno óptico interessante  ocorre quando a instalação é vista de frente. O ângulo reto provoca uma reflexão dupla, como cada um dos dois espelhos reflete não apenas a localização mas também o outro espelho. As larguras são estendidas, parecendo continuar no outro lado, daí, para o observador aparece uma cruz espelhada."JH.

Siga-me por Jeppe Hein. (Foto por Jamie Woodley)

Mais arte espelho. Siga-me é uma instalação feita pelo artista dinamarquês Jeppe Hein, e fica especial com a luz do sol e as árvores refletida de seus painéis. O Labirinto de Hein é uma instalação nova e permanente em razão da Real Fort House, da Universidade de Bristol, os jardins são abertos ao público para que qualquer pessoa pode pagar o trabalho de uma visita. A obra compreende um labirinto quadrado de 76 placas verticais de aço polido localizadas na base do plano inclinado do Royal Fort House. Os visitantes são incentivados a entrar no labirinto para experimentar o efeito do trabalho onde tudo é multiplicado.

Hein has had solo exhibitions at the 21st Century Museum of Contemporary Art, Kanazawa; and Art Tower, Mito; the Neues Museum, Nürnberg; Indianapolis Museum of Art (2010)[17]; Perth Institute of Contemporary Arts; ARoS Aarhus Kunstmuseum, Århus (2009)[18]; Sculpture Center, New York[19]; and P.S.1 MOMA[20], New York (2004). He has participated in solo and group exhibitions at Museum of Contemporary Art, Chicago; Contemporary Art Gallery, Vancouver; Tate Modern, London[21]; Barbican Art Centre, London (2007)[22]; Centre Georges Pompidou, Paris; MOCA, Los Angeles; and 50th Venice Biennale (2003). Catalogues of Hein's work have been published by ARoS Aarhus Kunstmuseum, Musée d'art contemporain de Nimes, Koenig Books, Villa Manin, and the Centre Pompidou. Hein lives and works in Berlin. Jeppe Hein is represented by Johann König in Berlin, 303 Gallery in New York, Galleri Nicolai Wallner in Copenhagen and SCAI - The Bathhouse in Tokyo.

Richard Serra

Richard Serra usou 56 placas de de aço, na Fazenda Gibbs que se inclinam para fora por 11 graus em relação à vertical e traçam uma linha de contorno único na terra de uma forma que, nas palavras do artista, "recolhe o volume da terra." O trabalho é uma característica das relações fortes que se formaram entre o coletor e os artistas que tem obras em sua fazenda. Serra diz que no encontro com Gibbs, "A primeira coisa que ele me disse foi" Eu tenho estado a Storm King  e eu quero uma parte mais significativa do que isso. Eu não quero qualquer peça fracote na paisagem. "

Gibbs Farm é um cenário incomum para uma coleção de esculturas. O Norte da propriedade em Auckland, na Nova Zelandia, é dominado pela Porto Kaipara, o maior porto do hemisfério sul. Tudo na propriedade e, eventualmente, flui em direção ao mar, e toda a obra se relaciona de alguma forma com o mar. O fluxo da terra, o imenso corpo de água, e a variedade assertiva dos elementos têm tudo se impuseram sobre os artistas. Gibbs reconhece que "o desafio para os artistas é a escala da paisagem, que inicialmente assusta" e exige mais alguma coisa deles. Andando pelas terras os visitantes podem apreciar a forma como cada artista chegou a um acordo em seu próprio caminho com a força gravitacional que é exercida sobre todas as coisas como as montanhas rolam em colinas, vales e encostas para baixo em direção a vasta extensão plana do porto Kaipara.

Depois de quase 20 anos Gibbs Farm inclui grandes obras de Graham Bennett, Chris Booth, Buren Daniel, Bill Culbert, Dawson Neil, de Marijke Goey, Andy Goldsworthy, Hotere Ralph, Anish Kapoor, LeWitt Sol, Len Lye, Moisés Russell, Peter Nicholls, Eric Orr, Tony Oursler, George Rickey, Peter Roche, Richard Serra, Kenneth Snelson, Richard Thompson, Leon van den Eijkel e Zhan Wang. A maioria dos trabalhos na coleção são comissionados e o comissionamento de novas obras ao invés de comprar de uma exposição envolve a satisfação de lidar com os artistas, como cita o comentário de Gibbs "eles são interessantes porque são vencedores, duros, ambiciosos".

http://gibbsfarm.org.nz/serra.php

Geoffrey Farmer

'Leaves of Grass' 

O artista Canadense Geoffrey Farmer esta na 13 ª Documenta Art Festival, que apresenta obras de 200 artistas e acontece a cada cinco anos por um período de 100 dias em Kassel, na Alemanha.O trabalho dele se estende por vinte metros de colagens que formam uma escultura construída a partir de milhares de recortes da LIFE Magazine, revista americana com imagens entre os anos de 1935 e 1985. Cada uma das pequenas fotografias recortadas e os vários objetos de anúncios e artigos, incluindo políticos, produtos ícones entre outros, representam um determinado ponto da história visual para o jornal americano. Esses trechos da "Life" são afixados individualmente em finas hastes de madeira, a fim de exibir corretamente todas as imagens escolhidas pelo artista a partir dos anos 50. o título faz referência à coleção de poesias do escritor americano Walt Whitman e parece existir como um campo de representação visual do sentido americano da "auto-identidade" através de imagens populares desta época. 

Geoffrey Farmer (1967-) Nasceu em Eagle Island, Columbia Britânica, Canadá. Estudou na Emily Carr Institue of Art and Desgn, Vancouver e no San Francisco Art Institute, São Francisco. Residência artística na Kadist Art Foudation, Paris. Trabalha com projetos muitimídias incluindo desenho, fotografia, vídeo, escultura, performance e instalação baseados em assuntos da cultura popular. Vive e trabalha na Columbia Britânica. Participou das Bienais de Instambul, Bruxelas, Sidney e Montreal.

Olafur Eliasson

Olafur Eliasson: Little Sun at Tate Modern

Numa exposição desenvolvida para o Festival de Londres 2012 , Olafur Eliasson traz seu "Little Sun" com lâmpadas movidas à energia solar na Tate Modern , onde os visitantes podem usar os dispositivos para explorar o museu  afterhours aos sábados, com todas as luzes do prédio desligado. Estes "blackouts na Tate" - são uma referência à exposição internacional surrealista de 1938, na Galerie de Paris des Beaux Arts em que Man Ray ofereceu lanternas aos visitantes para explorar as galerias - são apenas um aspecto de Olafur Eliasson da exposição "Little Sun". Um espaço dedicado , no terceiro andar da galeria apresenta as peças ao lado de instalações de energia solar. A partir de setembro, a exposição "Little Sun" terá um seminário e a estreia mundial de 16 curtas-metragens internacionais sobre a " luz, a vida, e  sobre o sol''. Lâmpadas solares do "Little Sun" foram desenvolvidas por Olafur Eliasson, em colaboração com o engenheiro Frederik Ottesen, e apresentado pela primeira vez no Fórum Econômico Mundial 2012 (site designboom). Os dispositivos são projetados para distribuição em países em desenvolvimento e fora das redes locais, melhorando as condições de vida e qualidade de vida em áreas que muitas vezes dependem de lampiões de querosene. Olafur Eliasson reflete sobre a exposição: "Ao longo dos anos, fui absorvido por fenómenos como a luz, o tempo, a negociação do espaço, a compaixão e a relação entre corpo, mente e ação. "Little Sun" traz estas diferentes vertentes do meu trabalho juntos - este é um passo muito importante para mim. trazendo "Little Sun" a Tate Modern e as Olimpíadas de Londres, espero realizar um projeto de arte para aqueles que normalmente não têm acesso a eventos globais desta escala".

Tate Modern, Londres

28 de julho de 2012 - 23 de setembro de 2012

Werner knaupp

Hipnotizada pelas furiosas águas inflexíveis das pinturas de Werner Knaupp que é um mestre de tons escuros, camadas temperamentais e texturas. Brilhante o seu vigor! Se o litoral é o lugar para o drama em que todos os elementos são confrontados, Werner Knaupp escolheu o mar profundo e selvagem, com massa imensa , escuro e invencível. Van Gogh, Turner e Courbet também estavam debatendo sobre a energia da natureza como uma metáfora para a vida. Como todo mundo está vivendo no fundo de seus próprios abismos onde mesmo o intelecto não é proteção suficiente, Werner Knaupp usa a profundidade e as camadas de acrílicos para representar este muro impenetrável de água. Essas peças do mar são peças alma, onde Werner Knaup pinta a si mesmo, sua vida e seus enganos. Werner Knaupp certamente não é um pintor de paisagens. Werner Knaupp está vivendo aqui e agora desde uma eternidade, lutando contra seus medos na frente da natureza, pelo visto! Werner Knapp nasceu, vive e trabalha em Nürenberg, Alemanha, desde 1936.

Muitas das suas obras são baseadas em experiências existenciais fortes. Desde 1964, ele viaja regularmente para paisagens extremas (desertos, vulcões, montanhas), como o Saara e na Antártica , na Ilhas Lofoten , no Havaí, Nova Zelândia e Islândia . Também influentes foram as  situações de fronteira: doença, loucura,e morte, pois trabalhou por vários meses como auxiliar de enfermagem no Hospital Mental Bayreuth (1977 a 1978), e na casa "terminal" de Madre Teresa em Calcutá na Índia (1979) e no crematório da cidade de Nuremberg (1980). Werner Knaupp estudou de 1957--1964 pintura na Academia de Belas Artes de Nuremberg com Fritz Griebel , Michael Otto Schmitt e Gerhard Wendland  (via wikipédia aqui). Nos anos 1970 e 1971 foi professor visitante da Academia de Belas Artes em Karlsruhe. Em 1977, ele participou da Documenta 6 , em Kassel. De 1986 a 2001 Werner Knaupp ensinou como professor de pintura na Academia de Belas Artes de Nuremberg. Desde 2004 é membro da Academia Bávara de Belas Artes em Munique. Werner Knaupp rabalha em Ernhofen , em Nuremberg. Seu trabalho, com mais de 50 anos de estrada, é caracterizado por diferentes grupos de trabalho, que se seguem uns aos outros, cada um compreendendo ciclicamente um número de anos. Os vários períodos criativos diferem tanto tematicamente como parte dos muitos materiais utilizados também se revezam. 

As obras do artista estão, entre outros, nas coleções da Nova Galeria Nacional em Berlim , nas Coleções de Arte em Dresden , o Kunsthalle de Hamburgo , nas coleções de arte da Neue Galerie , Kassel, o Museu Ludwig de Colónia, a Ludwigshafen Wilhelm-Hack-Museum , o Kunsthalle em Mannheim , o Städtische Galerie im Lenbachhaus em Munique, o Museu de Arte Moderna de Nova York, o New Museum, em Nuremberg e a Pinacoteca do Estado, em Stuttgart .

http://www.wernerknaupp.de/

Tanapol Kaewpring

Tanapol Kaewpring (1980, Tailândia) graduado com um BA em Arqueologia na Universidade Silpakorn, Bangkok. Atualmente é fotógrafo Wallpaper * Magazine (edição Tailândia) e baseia-se em Bangkok. Nos últimos anos, Kaewpring foi migrando seu trabalho para o campo das artes. Essa série de fotografias se chama:  A Little Things Series . Seu trabalho combina um agudo senso de profundidade, composição e perspectiva com observações ponderadas da condição humana através de sonhos, como configurações. Ele já expôs seu trabalho de Fotografia em 2006 e 2008, em Bangkok, bem como a exposição do coletivo Positive Living, na University de Bangkok  em 2008. nota da curadora Eva McGovern: A psique humana é complexa. Nós muitas vezes vivemos em nossas mentes, em vez de estar presente no momento. Intangíveis pensamentos têm o poder de limitar a nossa felicidade e sucesso na vida. Por isso, ficamos presos aos limites que permitam à sociedade nos impor. It is these seemingly ‘little things’, that become powerful inhibitors for human beings. Novo corpo Tanapol Kaewpring dá nova forma a esses desafios abstratos usando um cubo de vidro curioso no ambiente natural e urbano como uma metáfora para os sistemas que estamos submetidos. Estas caixas simbólicas podem ser físicas, como uma casa e um apartamento, bem como quadros sociais da família, religião, cultura e política. Cada cubo está situado dentro de ambientes específicos, a praia, a floresta, o deserto e a cidade. Confinados dentro são elementos como fogo, fumaça, luz e água. Estas forças da natureza têm a capacidade para a grande mudança, crescimento e destruição e mesmo assim eles ainda são capazes de ser controlados pela humanidade. Mesmo que eles tenham os seus limites. Esses elementos, combinados com as suas configurações representam aspectos da liberdade psicológica. Se somos capazes de pensar fora da caixa, para quebrar o vidro que nos rodeia talvez pudéssemos alcançar a verdadeira libertação e felicidade. A abordagem de Kaewpring é da poética pessoal, de transcendentalismo preso. Ele utiliza a manipulação digital e técnicas de pós-produção para criar estes pontos intensos de meditação. Também parece haver ligações claras com o budismo e cultura tailandesa, durante um ponto em que muitos jovens tailandeses estão questionando sua identidade como uma negociação entre a tradição e a modernidade.

Rodrigo Torres

Me deparei com essas colagens de notas, varios "papel moeda" incríveis, feitos pelo artista brasileiro Rodrigo Torres. Usando moedas de todo o mundo, colagens com cortes precisos, em moedas de todo o mundo. Torres justapõe camadas meticulosas de padrões e texturas para criar colagens que comentam sobre as culturas e economias. Trabalho Torres "foi recentemente escolhido pelo Art Basel na Suíça para ser apresentado no June’s Art Feature sector na Suiça.

Money Is Beautiful, Lots and Lots of Money Is Pure Art

Esculpindo cachos mais frágeis e rendas pergaminhos, as contas tornam-se ultrapassar as conotações inerentes capitalistas, para algo mais sutil, a arte que celebra não tanto o que as contas podem fazer por nós como aquilo que as contas se parecem. Mesmo por conta própria, eles são realmente muito bonitos, desenhos ultra realistas, que em camadas e dispostos de forma particular, Torres consegue algo verdadeiramente especial. funciona de 14 junho - 17 junho.

Ekkehard Alteburger

MIRROR HOUSE

O artista Ekkehard Alteburger construiu a Casa "Mirror", em 1996, durante seus estudos em Edinburgh College of Art. A escultura espelhada é antiga, mas adorei essa mistura de arquitetura externa e interna. Ele estudou escultura e foi convidado a participar de uma exposição na ilha de Tiree. A ilha consiste de uma elevação plana, varrida pelo vento, no sul da Escócia. O que parece à primeira vista como uma produção de Photoshop são realmente grandes espelhos que foram anexados na forma de uma casa de campo em vigas de aço. A casa tem um pequeno lago para nadar e reflete a paisagem, em torno e o Oceano Atlântico. Ele vive e trabalha em Londres. 

Massimo Bartolini

O artista italiano Massimo Bartolini desenvolveu uma biblioteca ao ar livre para o público intitulada "bookyard" para o Belgian Art Festival, a Contemporary City Conversation in Ghent. Bartolini empregou seus talentos criativos e de mídia mista para desenvolver um conjunto de doze estantes instaladas na vinha de São Pedro na Abadia Saint-Pietersplein 14, o estabelecimento de origem na Idade Média. A forma radical de prateleiras verdes foi construída em cima de um pequeno campo gramado, alinhado com as vinhas. As unidades estão cheias de livros para venda pelas bibliotecas públicas de Gante e Antuérpia com os lucros destes itens para beneficiar as instituições. Os visitantes podem tomar emprestado, comprar ou trocar livros de segunda mão aqui na sombra simbólica da Torre Livro. Bartolini instala as estantes de acordo com as vinhas, encostada e paralela à inclinação do jardim. De acordo com Bartolini, os livros também podem ampliar a mente, assim como o bom vinho. Visitantes da exposição poderão levar para casa um pedaço da obra de arte, um objeto alojado nas prateleiras de "bookyard ", deixando uma doação de sua escolha em uma pequena caixa fornecida pelo artista e as bibliotecas. O Projeto Ghent de intervenção, TRACK, termina oficialmente em 16 de setembro de 2012. 

Massimo Bartolini é um artista de 1962, e vive em Cecina, Italia. Seu trabalho é extremamente variado e inclui meios muito diferentes como a performance, escultura e fotografia. Ele introduz a noção de perda de controle em suas instalações em uma forma lúdica, por exemplo, levantar um chão ou torcer o espaço. Seu trabalho sensual ativa uma mudança de perspectiva e levanta dúvidas sobre tudo o que parece fixo e imutável. Ele cria espaços que têm poder táctil com o uso específico de luz e muitas vezes de som também. Na realidade objetiva que ele poeticamente introduz uma porta de entrada para um mundo ideal onde não há espaço para a imaginação, sonhos, lembranças, paixões e nostalgia.

http://track.be/en/index.php/kunstenaars/detail/massimo_bartolini

Beth Hoeckel

Tão surreais quanto sonhos. Essa é a melhor forma de definir o trabalho da arista plástica Beth Hoeckel. Suas colagens feitas a mão (nada de manipulação digital!) com recortes de livros e revistas das décadas de 50 a 70 geram imagens fantasmagóricas e lúdicas ao mesmo tempo, sempre com pessoas admirando paisagens incomuns. Ela tb pinta, fotografa e manipula muito seu trabalho. Adoro! Olha o site dela: http://bethhoeckel.com/index.htm