Andrea Galvani

Morte de uma imagem de Andrea Galvani , 2005/2012, é uma série de fotografias de edição limitada. Para fazer este corpo de trabalho, Galvani usa objetos, espelhos e fumaça para criar distúrbios na percepção física dos espectadores nas paisagens. Através de detonações e outras intervenções, Galvani também altera o sentido do tempo dos espectadores, quer capturar uma fração de segundo a ação de outra forma incompreensível a olho nu ou revelar as propriedades de um lugar por meio de processos que se desenrolam lentamente. Morte de uma imagem # 4C mostra uma epifania momentânea de luz orquestrada, com destaque para as propriedades de ruptura de algo que de outra forma não deixa vestígios físicos.

Andrea Galvani (nascido na Itália, 1973) ganhou um BFA na Academia de Belas Artes de Bolonha, Itália, em 1999, e um mestrado em Artes Visuais da Universidade de Bilbao, Espanha, em 2002. Desenho de outras disciplinas e, muitas vezes utilizando metodologias científicas, a pesquisa conceitual informa o seu uso da fotografia, bem como de vídeo, desenho e instalação. Obras de Galvani foram exibidos no Museu Whitney, Aperture Foundation e Fundação Calder, em Nova York, o Museu de Arte Moderna e Contemporânea de Trento e Rovereto (MART), a Itália, o Museu de Arte Contemporânea de Roma (Macro); De Brakke Grond, Amsterdam, e em outros lugares. Em 2011 ele recebeu o Prêmio Exposição de Nova York e foi nomeado para o prestigiado Deutsche Börse Photography Prize. Galvani vive e trabalha em Brooklyn.

http://www.aperture.org/shop/prints/new-photographs/andrea-galvani-limited-edition-photograph

Jeppe Hein

Jeppe Hein (nascido em 1974, Copenhagen, Dinamarca) é um artista que mora em Berlim e Copenhague. [1] Hein é amplamente conhecido por sua produção de obras de arte vivenciais e interativas onde a mistura da arquitetura, arte e técnica se cruzam . Notável em sua simplicidade formal e uso freqüente de humor, suas esculturas e instalações te envolvem em um diálogo vivo com as tradições do minimalismo e da arte conceitual da década de 1970. As obras de Hein, muitas vezes apresentam elementos surpreendentes e cativantes que colocam os espectadores no centro da experiência e percepção do espaço circundante.

Trabalhos com espelhos geométricos.

"Os espelhos geométricos é uma série de objetos/esculturas com ângulos de espelho, cada um constituído por dois espelhos ligados uns aos outros em ângulos de 90 °, para formar um canto. Considerando que os espelhos refletem simplesmente o espaço, quando vistos de lado, um fenômeno óptico interessante  ocorre quando a instalação é vista de frente. O ângulo reto provoca uma reflexão dupla, como cada um dos dois espelhos reflete não apenas a localização mas também o outro espelho. As larguras são estendidas, parecendo continuar no outro lado, daí, para o observador aparece uma cruz espelhada."JH.

Siga-me por Jeppe Hein. (Foto por Jamie Woodley)

Mais arte espelho. Siga-me é uma instalação feita pelo artista dinamarquês Jeppe Hein, e fica especial com a luz do sol e as árvores refletida de seus painéis. O Labirinto de Hein é uma instalação nova e permanente em razão da Real Fort House, da Universidade de Bristol, os jardins são abertos ao público para que qualquer pessoa pode pagar o trabalho de uma visita. A obra compreende um labirinto quadrado de 76 placas verticais de aço polido localizadas na base do plano inclinado do Royal Fort House. Os visitantes são incentivados a entrar no labirinto para experimentar o efeito do trabalho onde tudo é multiplicado.

Hein has had solo exhibitions at the 21st Century Museum of Contemporary Art, Kanazawa; and Art Tower, Mito; the Neues Museum, Nürnberg; Indianapolis Museum of Art (2010)[17]; Perth Institute of Contemporary Arts; ARoS Aarhus Kunstmuseum, Århus (2009)[18]; Sculpture Center, New York[19]; and P.S.1 MOMA[20], New York (2004). He has participated in solo and group exhibitions at Museum of Contemporary Art, Chicago; Contemporary Art Gallery, Vancouver; Tate Modern, London[21]; Barbican Art Centre, London (2007)[22]; Centre Georges Pompidou, Paris; MOCA, Los Angeles; and 50th Venice Biennale (2003). Catalogues of Hein's work have been published by ARoS Aarhus Kunstmuseum, Musée d'art contemporain de Nimes, Koenig Books, Villa Manin, and the Centre Pompidou. Hein lives and works in Berlin. Jeppe Hein is represented by Johann König in Berlin, 303 Gallery in New York, Galleri Nicolai Wallner in Copenhagen and SCAI - The Bathhouse in Tokyo.

Doris Salcedo

Uma das artistas mais consagradas da arte contemporânea. Fiquei muito impressionada com esse trabalho: "Oração Silenciosa" ou "Prece Muda", que ja foi vista em alguns lugares e épocas diferentes e agora chega à Roma, no MAXXI arte - Museu Nacional do século XXI das artes.  Ela é de Bogotá, nasceu em 1958. As esculturas e instalações de Doris Salcedo relacionam-se fortemente com episódios de violência política, debruçando-se sobre algumas tragédias públicas vividas na história recente e chamando a atenção para os traumas pessoais das vítimas. O conceptualismo do trabalho de dela em nada atenua a responsabilidade social sentida enquanto artista, rejeitando o lugar passivo de testemunha. Pelo contrário, as suas obras são pensadas como estratégias contra o silêncio e o esquecimento. Em Plegaria Muda (Oração Silenciosa) encontram-se todas as características que se tornaram marcas autorais da artista: a utilização de madeiras velhas já usadas, contentores de vivências e memórias; o objecto como vestígio, marca da existência de um corpo que já lá não está, de uma acção que não vimos, de actos de exclusão e da passagem inexorável do tempo.

Doris Salcedo faz esculturas e instalações que funcionam como a arqueologia política e mental, utilizando materiais nacionais carregadas de significado e repletos de significados acumulados ao longo de anos de uso na vida cotidiana. Salcedo muitas vezes leva acontecimentos históricos específicos como o seu ponto de partida, transmitindo encargos e os conflitos com os meios precisos e econômicos. Suas primeiras esculturas e instalações, tais como La Casa Viuda (1992-1995), combinadas com mobiliário doméstico têxteis e vestuário. Salcedo derivado seus materiais de pesquisa sobre a história recente da Colômbia político, assim que estes pertences, impregnado com a pátina de uso, estavam diretamente ligados à tragédia pessoal e política. Durante os últimos anos, o trabalho de Salcedo tornou-se cada vez mais a instalação, usando-se os espaços de galeria ou locais incomuns para criar ambientes vertiginosas encarregados de política e história. Noviembre 6 y 7 (2002) foi uma comemoração do décimo sétimo da apreensão violenta do Supremo Tribunal Federal, Bogotá, em 6 e 7 de Novembro de 1985. Salcedo situou o trabalho no novo Palácio da Justiça onde, ao longo de 53 horas (a duração do cerco), cadeiras de madeira foram abaixadas lentamente contra a fachada do edifício a partir de pontos diferentes no seu teto, criando "um ato de memória "para re-habitar este espaço de esquecimento. Em 2003, em Istambul, ela fez uma instalação em uma rua esquecida com 1.600 cadeiras de madeira empilhadas de forma precária no espaço entre dois prédios. Em 2005, no Castello di Rivoli, Turim, Salcedo re-trabalhou numa das salas principais da instituição através do alargamento do já existente majestoso teto abobadado de tijolos da galeria. A instalação sutilmente transformou o espaço existente, evocando pensamentos de encarceramento e sepultamento.

Doris Salcedo já expôs em mostras coletivas internacionalmente, incluindo 'The New Décor ", Hayward Gallery, Londres (2010)," NeoHooDoo ", Centro de PS1 Contemporary Art, Nova York e O Menil Collection, Houston (2008), 8 º Bienal de Istambul (2003) , Documenta XI (2002) e XXIV Bienal de São Paulo (1998). Exposições individuais incluem "prece Muda ', perímetro braquial, México; Moderna Museet, Malmö (2011) e' Nem ', Inhotim, Centro de Arte Contemporânea, Belo Horizonte, Brasil (2008)," Shibboleth ", Tate Modern, Londres (2007) , e da Tate "Uhland" Grã-Bretanha (1999), San Francisco Museum of Modern Art (1999 e 2005), Camden Arts Centre, Londres (2001) e New Museum of Contemporary Art, New York (1998).

Doris Salcedo: prece muda ou mudo oração 

MAXXI arte - Museu Nacional de século XXI artes, Roma, Itália 

aberto até 24 de junho de 2012

Antonia Low

GEWICHT DES SEHENS, 2011, (PESO DE VER) Städtische Galerie Nordhorn modernismo náufrago encantamento e terror - Antonia Low criou um magnífico espelho numa instalação no chão ,que joga com a percepção espacial de forma impressionante. Sua visão é profunda e permanentemente transformada. Agora e depois um estalo alto pode ser ouvido. Parece que uma explosão de gelo em um lago congelado que está começando a derreter lentamente. O som é consistente, porque na verdade são geradas instantaneamente as rachaduras. Eles surgem, porém, não num gelo fundente, mas em uma base de espelho que se estende sobre o espaço da galeria inteira. Quem quer entrar na sala de exposições, tem que passar por pontes de madeira e andaimes, semi-construídos ou semi-destruídos com até  1,50 metros de altura sobre uma estrutura de fero preto. De lá, a superfície do espelho pode ser maravilhosamente vista em sua totalidade.Aqui também reside a natureza paradoxal da instalação , pois " Peso de ver " dá uma visão fascinante aos espectadores, com a acumulação das partes do esqueleto despedaçados do solo precioso. Sob o peso da ponte e do movimento dos visitantes as rachaduras continuam a ser produzidas. A idéia original dessa foi baseada em uma experiência concreta: uma visita a uma escavação arqueológica em Chipre. Em 1962, em Pafos encontraram ruínas que datam do tempo dos romanos, que são equipados com mosaicos fascinantes. Para visualizá-los, eles construíram passarelas de madeira, que são muitas vezes usam espelhos pra poder visualizar as peças encontradas.Ele também joga com o desenvolvimento complexo de crescimento e declínio. A ponte é apenas parcialmente acessível, caindo em outros lugares, mas ainda em construção ou não correta. Uma abordagem arqueológica para a descoberta e é, portanto, no ambiente cotidiano. Será auto-consciente no espelho, vê-se a destruição na terra e a instalação adere a um instrumento multi-facetado de percepção bastante vertiginosa. A superfície do espelho reflete o espaço em si com sua altura dobrada, com seis metros, em vez de um limite máximo de três metros. Este efeito imaginário varia entre o trabalho de encantamento e terror. Ela contém em sua estrutura uma ambivalência que vê a beleza como algo sempre transitória. É digno de nota que, apesar da fragilidade da escultura não perder nada da sua beleza. Ela desenvolveu um fascínio com a sua própria decadência.vidro espelhado, componentes de andaime , madeira preta mate . Dimensões: 4,5 x 18 x 17m , todo o piso do pavilhão criado por Stephen Craig é forrado com espelhos e numa caminhada, o espelho vai sendo quebrado. O pavilhão está localizado em um prédio antigo de um moinho e se refere à arquitetura modernista do Mies van de Rohe.

Élise Morin et Clémence Eliard

WasteLandscape é uma instalação criada pela dupla Élise Morin (artista) et Clémence Eliard (arquiteta). Elas transformaram o hall do espaço Centquatre, "Halle d'Aubervilliers" de Paris em uma paisagem artificial ondulada, com uma superfície de 500m2, feita de 65.000 CDs antigos, como uma armadura prateada, todos costurados com arame á mão, sobre domos infláveis. A idéia incrível é viajar com essa instalação pra lugares onde a consciência ambiental possa ser refletida. WasteLandscape serão exibidos em locais coerentes com os riscos do projeto: O papel da arte na sociedade, elevar a consciência para os problemas ambientais através da cultura, modo alternativo de produção e valorização da área de trabalho associativo e de reabilitação profissional. Ao longo de exposições múltiplas, WasteLandscape vai passar por um bom transformações poucos antes de ser totalmente reciclado em policarbonato. A itinerância vai permitir que tanto os artistas a buscar novas acções de sensibilização.Vai estar exposto até dia 10 de Setembro de 2011. Fotografias: Yannick Fradin, Martin Eliard, Marc Sirvin