Andrea Galvani

Morte de uma imagem de Andrea Galvani , 2005/2012, é uma série de fotografias de edição limitada. Para fazer este corpo de trabalho, Galvani usa objetos, espelhos e fumaça para criar distúrbios na percepção física dos espectadores nas paisagens. Através de detonações e outras intervenções, Galvani também altera o sentido do tempo dos espectadores, quer capturar uma fração de segundo a ação de outra forma incompreensível a olho nu ou revelar as propriedades de um lugar por meio de processos que se desenrolam lentamente. Morte de uma imagem # 4C mostra uma epifania momentânea de luz orquestrada, com destaque para as propriedades de ruptura de algo que de outra forma não deixa vestígios físicos.

Andrea Galvani (nascido na Itália, 1973) ganhou um BFA na Academia de Belas Artes de Bolonha, Itália, em 1999, e um mestrado em Artes Visuais da Universidade de Bilbao, Espanha, em 2002. Desenho de outras disciplinas e, muitas vezes utilizando metodologias científicas, a pesquisa conceitual informa o seu uso da fotografia, bem como de vídeo, desenho e instalação. Obras de Galvani foram exibidos no Museu Whitney, Aperture Foundation e Fundação Calder, em Nova York, o Museu de Arte Moderna e Contemporânea de Trento e Rovereto (MART), a Itália, o Museu de Arte Contemporânea de Roma (Macro); De Brakke Grond, Amsterdam, e em outros lugares. Em 2011 ele recebeu o Prêmio Exposição de Nova York e foi nomeado para o prestigiado Deutsche Börse Photography Prize. Galvani vive e trabalha em Brooklyn.

http://www.aperture.org/shop/prints/new-photographs/andrea-galvani-limited-edition-photograph

André Kertész

               

  

André Kertész (1894-1985) foi saudado como um dos mais importantes fotógrafos do século XX. Trabalhando de forma intuitiva, ele capturou a poesia da vida urbana moderna, com sua calma, incidentes muitas vezes esquecido e estranhas justaposições, ocasionalmente em quadrinhos, ou até mesmo cenas bizarras. Ele se esforçou "para dar um sentido a tudo" com sua câmera , para fazer fotografias como pela reflexão em um espelho. Combinando essa espontaneidade aparentemente ingênua com uma compreensão sofisticada da composição, Kertész criou uma linguagem puramente fotográfica que celebra a observação direta do cotidiano. Nem um surrealista, nem um fotojornalista estrito, ele, no entanto, infundido suas melhores imagens com fortes princípios de ambos. "Você não vê" as coisas que você fotografa, ele explicou, "você sente." Nascido em Andor em Budapeste, Kertész recebeu sua primeira câmera em 1912 e imediatamente começou a fazer retratos íntimos da família e amigos, estudos de campo húngaro, e cenas da vida cotidiana por trás das linhas de batalha da Primeira Guerra Mundial, olhando a vida através da fotografia, ele se mudou em 1925 para Paris, onde estabeleceu uma bem sucedida carreira como fotojornalista. Estimulado por esta realização e inspirado pelo vibrante comunidade artística da capital francesa, ele criou algumas das imagens mais intrigantes e célebres do período. Em 1936 Kertész mudou-se para Nova York, a fim de continuar a sua carreira. Cativado pelo rico espetáculo visual da cidade e admirado por sua escala, ele usou a câmera para gravar tanto o seu fascínio, e senso de alienação, seu novo ambiente. As imagens atestam uma história pessoal complicada suportados pelas convulsões políticas de duas guerras e da vida em três países. Ele morreu com a idade de noventa e um. 

Jeremy Miranda

 
 


 

 

                 


         

Jeremy Miranda é um pintor eclético e talentoso trabalhando inúmeras questões de forma e estrutura tanto naturais e artificiais, além de explorar a cor, a luz, design e até mesmo idéias narrativas. Sua abordagem estilística varia muito de rápidos e soltos estudos e esboços, de aquarelas simples até complexas pinturas formalmente executadas. Sua obra tem uma escala relativamente pequena. A maioria de sua obra parece residir dentro de uma série temática. Há uma série maravilhosa sobre uma estufa misteriosa que flutua em terra nas ondas de alguma escura praia da Nova Inglaterra, onde curiosos se reúnem. Outra retrata estantes formando um ou mais lados de um interior que se abre para o espaço natural aberto do outro lado. Outros são mais abstratos. Você pode ver uma boa dose de trabalho em seu site: www.jeremymiranda.com

mas eu realmente recomendo visitar o seu blog para ter uma idéia mais ampla da gama e do contexto de seu trabalho: jeremymiranda.blogspot.com.

" Eu passo muito tempo em ambientes fechados e minha pintura surge a partir de fotografias e memória. Eu gosto de trabalhar, mas depois de tanto tempo no meu estúdio, removido das paisagens reais e marinhas reais é crucial eu sair. Eu adoro as transições rápidas que vêm com a primavera e o clima mais quente significa mais oportunidades para pintar ao ar livre.

Eu considero essas pinturas que eu faço ao ar livre como algo bastante distinto do que eu faço no estúdio. Eu gostaria de encontrar espaços estranhos que oferecem sons e texturas diferentes, e me colocar na frente da mudança de clima. E com toda a conversa sobre a experiência, o que eu realmente gosto muitas vezes são as matérias orgânicas, bagunçadas, que existem como um registro ou tradução de um momento no tempo. O que mais existe realmente? " 

Stephen Turner

The Exbury Egg – é o result ado da colaboracão entree o PAD studio, o SPUD group e o artists Stephen Turner, que trabalharam de Vessel para aportarem com o ovo flutuante no porto do Rio Beaulieu, na Inglaterra. 

Ovo é um lugar para ficar e um laboratório/studio do artista  para estudar a vida de um canal de maré, um centro de pesquisa e de armazenamento integrado e áreas da exposição. a estrutura construída usando técnicas de construção de barcos e materiais locais dispõe de uma cama, uma mesa, um pequeno fogão. Requisitos de Stephen para o uso de eletricidade, incluindo eletricidade para carregar itens, como um laptop, câmera digital e celular serão atendidas usando luz solar.

O ovo, então, vai viajar para vários locais em todo o Reino Unido, onde ele será usado como uma ferramenta educacional para aumentar a conscientização de sustentabilidade e as questões ecológicas.

Filip Dujardin

A  Highlight Gallery apresenta (DIS)LOCATION em São Francisco, CA. 

A exposição individual do fotógrafo belga Filip Dujardin cujo trabalho é inspirado no patrimônio das paisagens e arquitetura,  e vai estar em exposição a partir de 07 fevereiro até 29 de março 2013. As Colagens fotográficas de Dujardin são profundamente industriais e surreais e desafiam todos os componentes funcionais da arquitetura e, com isso criam mundos utópicos onde as misturas evocam romantismo e surpresa. A exposição apresenta o seu mais recente corpo de trabalho, que inclui fotografias tiradas na cidade costeira francesa de Deauville e também a área de Guimarães no norte de Portugal. As suas composições fotográficas são compostas de edifícios reais, que são então transformados em novas estruturas fictícias através da utilização de técnicas de colagem digitais. As formas arquitetônicas, embora familiares, tornam-se novos ambientes construídos de sonho, onde as paredes são erguidas e até mesmo inseridas enquanto vigas surgem e são plantadas de formas improváveis. Suas composições irregulares tocam o real e o digital e respondem perfeitamente aos ambientes naturais e paisagens em que são plantadas, quase como se eles estivessem lá para sempre. Ao mesmo tempo, a sua justaposição do industrial com o romântico dá novas dimensões à colagem fotográfica e oferece novos  truques imaginários excitantes pro olhar. O trabalho de Filip Dujardin faz o melhor das paisagens que ele usa, respeitando sua história e importância cultural. Seu trabalho dá uma sensação de familiaridade e consegue aceitar a beleza de uma nova realidade. Tendo estudado História da Arte, com ênfase na arquitetura, é evidente que o seu trabalho abrange todas as qualidades esculturais que a arquitetura tem para oferecer. Sua negação da gravidade e funcionalidade é corajosa, por sua vez, oferecendo-nos uma sensação maravilhosa de liberdade.

http://www.yatzer.com/DIS-LOCATION-Filip-Dujardin-Highlight-Gallery-San-Francisco

Issac Cordal

The BLK River Festival em Viena recebe alguns dos representantes mais significativos da cena artística internacional de rua em Viena: Issac Cordal No mês de setembro, os artistas de todos os continentes são convidados a realizarem projetos em vários locais da cidade de Viena . Black River utiliza toda a cidade. Pisque e você pode perder de vista a instalação, pois elas são muito sutís. Transformando a paisagem urbana em si mesma, com instalações que são quase imperceptíveis pela sutileza. Isaac Cordal usa a funcionalidade cinza do cimento para questionar a falta de cor e vibração em grande parte de nossas vidas através de sua pequena figuras. Lidar igualmente com a erradicação virtual do mundo natural na matriz urbana, o anonimato da vida da cidade, a falta de sentimento entorpecido e da cegueira para as realidades dos outros . Como seus "everymen" espalhados por todo o mundo em contemplação silenciosa e oprimidos, Isaac conta que Estudou Belas Artes em Pontevedra, uma pequena cidade no noroeste da Espanha. Começou seus trabalhos em 1999. "Eu comecei a fazer esculturas de cimento quando eu estava na Escola de Arte em 2002, mas não foi até 2006, quando eu comecei a usá-los nas ruas. O primeiro lugar eu deixei uma escultura de cimento eclipses foi na cidade de Vigo. Cement Eclipses é uma crítica / definição de nosso comportamento como uma massa social. Este projeto tem a intenção de chamar a atenção sobre a nossa relação com a natureza desvalorizada através de um olhar crítico para os efeitos colaterais da nossa evolução. Estas cenas são pequenos "zooms" nas tarefas de rotina do ser humano contemporâneo. Eles apresentam fragmentos em que a natureza, ainda presente, mantém sintomas encorajadores de sobrevivência. A precariedade dessas estatuetas anônimas, na altura da sola dos transeuntes, representa os restos nômades de uma construção imperfeita de nossa sociedade. Estas pequenas esculturas contemplam a demolição e reconstrução de tudo o que nos rodeia. Eles chamam a atenção do absurdo da nossa existência."