Thierry De Cordier

Thierry De Cordier ( b.1954 , Bélgica)

é um filósofo , performer , escultor, escritor e poeta . Como um jovem artista , viveu uma existência nômade que o levou a refletir sobre a arquitetura como um modelo para as relações sociais. Por um longo tempo , seu jardim era um substituto e uma metáfora para o mundo. Mais tarde, ele virou as costas para o mundo a olhar para o mar. Thierry De Cordier é um artista existencial que tenta compreender o mundo através de sua própria experiência. Sua obra é o resultado de uma busca pessoal, da sua identidade e relação com o mundo. Seu trabalho , no qual o infinitamente pequeno se reflete no infinitamente grande, se desenvolve organicamente. Nas últimas décadas, Thierry De Cordier dedicou-se mais à pintura. Temas recorrentes incluem montanhas , marinhas e paisagens desoladas que são parcialmente inspirados nas vastidões de preto e branco das pinturas topográficas feitas na China durante o século 17 e 18 , e ainda capturaram as qualidades essenciais da paisagem e luz do norte da Europa. Os céus cinzentos e mares negros de suas pinturas monocromáticas evocam melancolia, com as cenas mais dramáticas sendo aqueles em que as ondas e penhascos montanhosos se fundem e nos confundem  quando encorporam as forças da natureza dentro de uma única imagem primal.

Jeremy Miranda

 
 


 

 

                 


         

Jeremy Miranda é um pintor eclético e talentoso trabalhando inúmeras questões de forma e estrutura tanto naturais e artificiais, além de explorar a cor, a luz, design e até mesmo idéias narrativas. Sua abordagem estilística varia muito de rápidos e soltos estudos e esboços, de aquarelas simples até complexas pinturas formalmente executadas. Sua obra tem uma escala relativamente pequena. A maioria de sua obra parece residir dentro de uma série temática. Há uma série maravilhosa sobre uma estufa misteriosa que flutua em terra nas ondas de alguma escura praia da Nova Inglaterra, onde curiosos se reúnem. Outra retrata estantes formando um ou mais lados de um interior que se abre para o espaço natural aberto do outro lado. Outros são mais abstratos. Você pode ver uma boa dose de trabalho em seu site: www.jeremymiranda.com

mas eu realmente recomendo visitar o seu blog para ter uma idéia mais ampla da gama e do contexto de seu trabalho: jeremymiranda.blogspot.com.

" Eu passo muito tempo em ambientes fechados e minha pintura surge a partir de fotografias e memória. Eu gosto de trabalhar, mas depois de tanto tempo no meu estúdio, removido das paisagens reais e marinhas reais é crucial eu sair. Eu adoro as transições rápidas que vêm com a primavera e o clima mais quente significa mais oportunidades para pintar ao ar livre.

Eu considero essas pinturas que eu faço ao ar livre como algo bastante distinto do que eu faço no estúdio. Eu gostaria de encontrar espaços estranhos que oferecem sons e texturas diferentes, e me colocar na frente da mudança de clima. E com toda a conversa sobre a experiência, o que eu realmente gosto muitas vezes são as matérias orgânicas, bagunçadas, que existem como um registro ou tradução de um momento no tempo. O que mais existe realmente? " 

Rothko / Sugimoto

Um verdadeiro luxo poder ver juntos Rothko e Sugimoto, que inauguram a nova Pace Gallery de Londres.

Rothko / Sugimoto exposição inaugura Pace Londres, 6 Burlington Gardens

Logo depois de  seu recente anúncio de planos para abrir uma grande galeria, em Mayfair, Londres, Pace tem a honra de apresentar Rothko / Sugimoto: Pinturas escuras e Paisagens em 6 Burlington Gardens de 04 de outubro a 17 de novembro de 2012. A exposição inaugural justapõe o falecido Mark Rothko com suas pinturas em preto e cinza com fotografias contemporâneas de Hiroshi Sugimoto de corpos de água. A exposição marca a primeira apresentação  da galeria com os  trabalho de Rothko em Londres, em quase 50 anos e continua a tradição da Pace, com cinco décadas de exposições que exploram afinidades entre artistas que trabalham ao longo das décadas.

Pinturas escuras e Paisagens formam oito pares de pinturas acrílicas feitas por Rothko e oito gravuras de gelatina de prata por Sugimoto, revelando duas diferentes abordagens artísticas que chegam a conclusões semelhantes. Um feito épico unir os dois mestres, que nos mergulham num tempo infinito de mares escuros onde um tom sombrio de seriedade nos remete à "Ira de Aquiles" pra contemplar a mortalidade. Pois assim podemos ver Rothko na pura abstração com o trabalho de Hiroshi Sugimoto, com a fotografia de percepção do mundo. Caracterizada por um formato binário de preto e cinza retangulares, são elementos das afinidades filosóficas entre os dois artistas, cada um oferecendo uma meditação sobre preocupações universais e cosmológicas.

A exposição será acompanhada de um catálogo por Richard Shiff, a Marie Effie Caim Regents Presidente em Arte e diretor do Centro para o Estudo do Modernismo na Universidade do Texas em Austin. "Rothko e Sugimoto pensar em termos de eras e eras da história da vida orgânica, e não as décadas de suas próprias vidas", escreve Shiff. "Rothko havia dirigido a sua arte, como Sugimoto faz agora, a um sentido, primal evolutiva do ser humano. O que é verdade de Rothko e Sugimoto torna-se verdadeiro de todos nós quando assistimos à sua experiência, se encontramos os limites do sentimento humano e a percepção que as pinturas de Rothko e fotografias de Sugimoto representam. Nós, então, reconhecemos a condição de que já constitui a nossa vida ... Imerso no mar de um artista de luz , da natureza profunda. O conceito para a exposição se originou em 2010, quando Hiroshi Sugimoto entrou Pace e foi introduzida para Christopher Rothko, filho de Mark Rothko. Pace tem trabalhado com a família Rothko desde 1978 e apresentou 10 exposições dedicadas à história do trabalho do artista.Em preparação para a exposição, Sugimoto refletiu, "Por muitas décadas eu criei marinhas. Não retratar o mundo em fotografias, eu gostaria de pensar, mas sim projetando minhas paisagens marítimas internas para a tela do mundo.Céus agora formando retângulos brilhantes, a água agora está derretendo em retângulos líquido escuro. Eu às vezes acho que vejo um horizonte escuro cortando pinturas de Mark Rothko. É então eu inconscientemente perceber que as pinturas são mais verdadeiras do que as fotografias e as fotografias são mais ilusório do que pinturas. "

Pintado um ano antes de sua morte, pinturas escuras Rothko de 1969 representou a primeira ruptura radical de sua forma assinatura em mais de duas décadas. Ele abandonou tanto a faixa de orquestra e bancos cintilantes de cor que definiram seus trabalhos anteriores, reduzindo cada pintura de dois retângulos distintos, um escuro e um claro. Embora Rothko tenha se envolvido com a escuridão antes, nomeadamente nas pinturas Seagram de 1958-1959 e da Comissão para a Capela na Menil Collection em Houston 1964-67 na obra final, ele limitou sua paleta de preto e cinza, com traços de marrom escuro, marrom e azul visível. As pinturas são rodeados por uma margem branca, exclusivo para esta série, que isola o campo e enfatiza a sua planicidade. Embora sombrio e até mesmo elegíaco na cor e humor, as obras escuras relacionam menos com qualquer tragédia pessoal na vida de Rothko, e mais a eternas e despersonalizada questões metafísicas. Como o crítico Brian O'Doherty escreveu em seu ensaio pro catálogo de 1985, para a exposição de pinturas. Sugimoto marítimas (iniciada em 1980) retratam corpos de água do Canal Inglês para a baía de Sagami, cada fotografia na mesma composição gritante de uma linha do horizonte dividindo o céu e o mar. Dividido em dois retângulos um-escuro, um-luz a relação entre o mar e o céu assume uma geometria quase abstrata que carrega de imagem a imagem e oceano para oceano ao redor do mundo. Como Rothko, Sugimoto transmite uma gama impressionante de emoções dentro de um vocabulário limitado de tons de preto e branco e um formato fixo. Focalizando água e ar-as substâncias que deram origem à vida, os trabalhos evocam mares primordiais e as origens da consciência humana.

Werner knaupp

Hipnotizada pelas furiosas águas inflexíveis das pinturas de Werner Knaupp que é um mestre de tons escuros, camadas temperamentais e texturas. Brilhante o seu vigor! Se o litoral é o lugar para o drama em que todos os elementos são confrontados, Werner Knaupp escolheu o mar profundo e selvagem, com massa imensa , escuro e invencível. Van Gogh, Turner e Courbet também estavam debatendo sobre a energia da natureza como uma metáfora para a vida. Como todo mundo está vivendo no fundo de seus próprios abismos onde mesmo o intelecto não é proteção suficiente, Werner Knaupp usa a profundidade e as camadas de acrílicos para representar este muro impenetrável de água. Essas peças do mar são peças alma, onde Werner Knaup pinta a si mesmo, sua vida e seus enganos. Werner Knaupp certamente não é um pintor de paisagens. Werner Knaupp está vivendo aqui e agora desde uma eternidade, lutando contra seus medos na frente da natureza, pelo visto! Werner Knapp nasceu, vive e trabalha em Nürenberg, Alemanha, desde 1936.

Muitas das suas obras são baseadas em experiências existenciais fortes. Desde 1964, ele viaja regularmente para paisagens extremas (desertos, vulcões, montanhas), como o Saara e na Antártica , na Ilhas Lofoten , no Havaí, Nova Zelândia e Islândia . Também influentes foram as  situações de fronteira: doença, loucura,e morte, pois trabalhou por vários meses como auxiliar de enfermagem no Hospital Mental Bayreuth (1977 a 1978), e na casa "terminal" de Madre Teresa em Calcutá na Índia (1979) e no crematório da cidade de Nuremberg (1980). Werner Knaupp estudou de 1957--1964 pintura na Academia de Belas Artes de Nuremberg com Fritz Griebel , Michael Otto Schmitt e Gerhard Wendland  (via wikipédia aqui). Nos anos 1970 e 1971 foi professor visitante da Academia de Belas Artes em Karlsruhe. Em 1977, ele participou da Documenta 6 , em Kassel. De 1986 a 2001 Werner Knaupp ensinou como professor de pintura na Academia de Belas Artes de Nuremberg. Desde 2004 é membro da Academia Bávara de Belas Artes em Munique. Werner Knaupp rabalha em Ernhofen , em Nuremberg. Seu trabalho, com mais de 50 anos de estrada, é caracterizado por diferentes grupos de trabalho, que se seguem uns aos outros, cada um compreendendo ciclicamente um número de anos. Os vários períodos criativos diferem tanto tematicamente como parte dos muitos materiais utilizados também se revezam. 

As obras do artista estão, entre outros, nas coleções da Nova Galeria Nacional em Berlim , nas Coleções de Arte em Dresden , o Kunsthalle de Hamburgo , nas coleções de arte da Neue Galerie , Kassel, o Museu Ludwig de Colónia, a Ludwigshafen Wilhelm-Hack-Museum , o Kunsthalle em Mannheim , o Städtische Galerie im Lenbachhaus em Munique, o Museu de Arte Moderna de Nova York, o New Museum, em Nuremberg e a Pinacoteca do Estado, em Stuttgart .

http://www.wernerknaupp.de/

Kaye Donachie

As Pinturas de Kaye Donachie refletem a exploração de espaços que revelam estruturas de poder oculto ou coercitiva. O elemento secreto, o grupo e os elementos ritualísticos revelam-se como uma teia de signos. O Trabalho de Donachie* sugere uma forma de maçonaria patriarcal por trás desses grupos, como dizem alguns sites, mas eu tb acho que ele retrata momentos íntimos e cheios de silencios entre amigos. Kandinsky é sua inspiração, pois uma noite twighlight ele visitou seu estúdio, onde viu uma de suas pinturas figurativas iluminadas pelo luar revelando-se como formas abstratas e isso esta presente em suas* pinturas. Esta experiência imita a cerimônia maçônica onde o iniciado se move da escuridão à luz.  Kaye Donachie | "Iluminismo" veja tb esse site:_http://www.temporarysite.org/Scan/Scan_Donachie.htm_

Betsy Walton

Betsy Walton é uma pintora e ilustradora, que trocou seu emprego em 2006  pela pintura. Trabalha e vive no Oregon, em Portland. Adoro seu romantismo e sua liberdade surreal e naif. Acabei de conhecer seu trabalho, que atualmente faz parte de algumas coleções privadas e algumas exposições.

http://www.morningcraft.com/index.php

http://morningcraft.com/blog/

Pakayla Biehn

As pinturas hiperealistas de Pakalaya Biehn me impressionam, especialmente na série de fotos com dupla exposição, onde ela sobrepõe imagens. Seu trabalho diz respeito à sua deficiência congênita da visão, estrabismo. Sua visão consiste em imagens sobrepostas, e nunca consegue ter uma impressão coesa. Usando sua própria identidade incorporada como um ponto de partida para suas pinturas e instalações, seu objetivo é encontrar uma linguagem visual para negociar o cruzamento de imagens e criar uma perspectiva semelhante para dar ao espectador uma compreensão de sua própria situação óptica. Seu trabalho explora as fronteiras entre os diferentes estados de ser, duas e três dimensões, o real e o imaginário, e a importante intersecção da tecnologia e da arte orgânica.

Mark Tansey

Fiquei impressionada com essa pintura a óleo. Vejo muitos rostos. Ele vai expor no início do ano na Gagosian de NY. Ainda não tenho detalhes. Acabei de conhecer seu trabalho por esta tela...que especialmente adorei.

Manfredo Beninati

Manfredo Beninati é um artista siciliano, e pinta um universo de sonhos, que fica numa fronteira surrealista, onírica e figurativa das camadas de sua memória.Sua fonte é o cinema, fotografia e literatura e, através dela, ele nos mostra o mundo da memória pessoal. Historicamente, as pinturas do artista, instalações e esculturas referem-se a teatrialização das artes visuais. O trabalho deste artista é enriquecido pela sua experiência como assistente de importantes diretores italianos como Damiano Damiani e Giuseppe Tornatore no início dos anos 90. Beninati sabe bem como usar uma câmera de cinema e como criar imagens para as suas telas em movimento. Através de sua percepção cinematográfica, Beninati prefere vistas frontal e perspectivas clássicas, a construção de palcos para que o público só tenha um ponto de vista, assim como em teatros ou cinemas. Na Bienal de Veneza, sua obra era apenas visível a partir de um determinado ângulo e através de uma porta de vidro, representando simbolicamente a fronteira entre o sonho e a realidade. A separação entre o mundo do artista e do público e de transição entre o presente e o passado que pertence a uma memória privada ou imaginária, um evento passado e à representação do seu esquecimento.