Daniel Buren

Instalação 'A Perimeter for a Room' de Daniel Buren, 2011

Particularmente adoro o trabalho dele. Acho incrível a forma livre como ocupa lugares com suas obras onde luz e cor te engolem na maioria das vezes. Ao longo de sua carreira de 45 anos, o artista francês Daniel Buren  expôs nos melhores locais do mundo com suas obras de arte em site specifcs como: Versalhes, Guggenheim, Paris, Nuremberg, Bélgica,Tóquio, Senegal para citar apenas alguns lugares. Seu último local foi em Londres na Lisson Gallery, onde ao longo de uma semana, ele transformou o espaço com obras que exibem suas marcas coloridas, formas geométricas e sua assinatura com listras. Ele não tem um atelier há mais de 43 anos, e faz questão que quem compre suas obras só as mostrem da mesma forma que montou, sem mudança alguma.

entrevista dada à wallpaper:
"Eu sempre uso materiais locais. Este é o ponto de partida. Na Europa, você pode ter tudo, mas muitas vezes eu estou trabalhando em países onde os materiais originais são raros. Duas semanas atrás, fiz uma exposição no Senegal e o único material que eu gostei foi uma malha anti-mosquito, que custou quase nada. Para as peças de tecido, eu usei um material novo, criado há três anos por uma empresa têxtil muito antiga francesa. É um cabelo como a fibra óptica, para  brilhar com LEDs. Eu fui o primeiro a usá-lo, e ele ainda está sendo desenvolvido para uso na indústria e na arquitetura. Gosto de trabalhar com colaborações com arquitetos. Recentemente, eu trabalhei com Jean Nouvel em um projeto de grande público na Itália, na cidade de Colle di Val d'Elsa, que levou oito anos para ser concluído."
http://www.danielburen.com

Jim Hodges

Fotos de David Regen. Jim Hodges - Sem título, 2011.Granite, aço inoxidável e lacquer.75 x 248 x 301 polegadas instalado. Direitos Autorais Jim Hodges - Cortesia Gladstone Gallery, Nova York e Bruxelas

A Gladstone Gallery tem o prazer de anunciar a sua nova exposição com os novos trabalhos de Jim Hodges , que que ocupa ambos os espaços da galeria,no Chelsea e marca o primeiro projeto da artista em New York. Por mais de duas décadas, Hodges tem utilizado uma ampla gama de materiais do cotidiano para criar obras que transformam esse objeto num local onde o pessoal, político e universal se fundem através de gestos simples e poéticos. Retomando modos variados de processo e produção, a prática de Hodges resiste aos objetivos de um discurso atemporal, procura evidenciar o imemorial e em vez disso oferece obras em várias camadas que evocam temas ressonantes tais como identidade, perda, mortalidade e amor.  

Nesta exposição em duas partes, Hodges apresenta várias novas grandes obras escultóricas que investigam as noções de tempo, movimento, cor e reflexão. Ampliando seu uso frequente de elementos espelhados, Hodges expõe sua maior escultura espelhada até agora, criando uma zona contemplativa ainda com fratura de reflexão e refração. Uma instalação do tamanho da sala, inspirada pela recente viagem da artista a Índia, demonstra um foco mais concentrado na cor, o desempenho da saturação, nos levando à introspecção, e dentro da noção de tempo e movimento. Mesclando o real com o imaginado, um agrupamento monumental de esculturas perfeitamente se justapõe em densas formas orgânicas, e materiais sintéticos. Movendo-se entre diferentes meios e formas contrastantes, Hodges incorpora cada uma com um sentido carregado de sua própria autoria e uma infinidade de possibilidades metafóricas. Jim Hodges nasceu em 1957, em Spokane, Washington e recebeu seu mestrado pela Pratt Institute no Brooklyn, NY. Sua obra tem sido objecto de inúmeras exposições individuais, incluindo: o Centro Pompidou, Paris; Arte Camden Centre, de Londres, o Aspen Art Museum; CGAC, Santiago de Compostela, Espanha; Ensino Tang Museum and Art Gallery em Skidmore College, Saratoga Springs , NY, e do Museu de Arte Contemporânea de Chicago. Hodges foi recentemente nomeada para atuar como Diretora Interina do Departamento de Escultura de Pós-Graduação na Escola de Arte da Universidade de Yale para o ano acadêmico de 2011/2012 . 

515 West 24th Street | 530 Ocidente 21st Street, NY

05 de novembro através de 23 dezembro de 2011

www.gladstonegallery.com

www.jimhodges.com

Penelope Umbrico

Os trabalhos da artista Penelope Umbrico, como As is são forjados no imaginário criado pela internet, uma espécie de absorção de tecnologia e suas implicações mais diretas como a obsolescência programada. Ela transcreve as imagens de sites fragmentados na construção de novas obras que questionam a sintetização da arte comtemporânea e as promessas ou simulacros que essas questões nos sugerem. A série Sunset Portraits também trabalha esses fragmentos reunindo imagens extraídas do Flickr e questionam, de maneira contundente, qual será o legado dessas assombrosa quantidade de informação visual que flana pelo mundo cibernético Pós-graduada pela School of Visual Arts de Nova York, nos Estados Unidos, onde obteve seu M.F.A, e pela Ontario College of Art, em Toronto, no Canadá, a artista já apresentou suas obras e instalações no Canadá e nos Estados Unidos, participando de exposições na Bélgica, Holanda, Austrália e Japão, entre outros países. As imagens da artista também podem ser vistas no livro Penelope Umbrico (photographs) publicada pela Aperture Foundation. Nascida na Philadelphia, vive e trabalha em Nova York. (esse trecho foi retirado do site PARATY em foco, pois ja diz tudo)
http://www.penelopeumbrico.net

+Antonia Low

 
 

Antonia Low

GEWICHT DES SEHENS, 2011, (PESO DE VER) Städtische Galerie Nordhorn modernismo náufrago encantamento e terror - Antonia Low criou um magnífico espelho numa instalação no chão ,que joga com a percepção espacial de forma impressionante. Sua visão é profunda e permanentemente transformada. Agora e depois um estalo alto pode ser ouvido. Parece que uma explosão de gelo em um lago congelado que está começando a derreter lentamente. O som é consistente, porque na verdade são geradas instantaneamente as rachaduras. Eles surgem, porém, não num gelo fundente, mas em uma base de espelho que se estende sobre o espaço da galeria inteira. Quem quer entrar na sala de exposições, tem que passar por pontes de madeira e andaimes, semi-construídos ou semi-destruídos com até  1,50 metros de altura sobre uma estrutura de fero preto. De lá, a superfície do espelho pode ser maravilhosamente vista em sua totalidade.Aqui também reside a natureza paradoxal da instalação , pois " Peso de ver " dá uma visão fascinante aos espectadores, com a acumulação das partes do esqueleto despedaçados do solo precioso. Sob o peso da ponte e do movimento dos visitantes as rachaduras continuam a ser produzidas. A idéia original dessa foi baseada em uma experiência concreta: uma visita a uma escavação arqueológica em Chipre. Em 1962, em Pafos encontraram ruínas que datam do tempo dos romanos, que são equipados com mosaicos fascinantes. Para visualizá-los, eles construíram passarelas de madeira, que são muitas vezes usam espelhos pra poder visualizar as peças encontradas.Ele também joga com o desenvolvimento complexo de crescimento e declínio. A ponte é apenas parcialmente acessível, caindo em outros lugares, mas ainda em construção ou não correta. Uma abordagem arqueológica para a descoberta e é, portanto, no ambiente cotidiano. Será auto-consciente no espelho, vê-se a destruição na terra e a instalação adere a um instrumento multi-facetado de percepção bastante vertiginosa. A superfície do espelho reflete o espaço em si com sua altura dobrada, com seis metros, em vez de um limite máximo de três metros. Este efeito imaginário varia entre o trabalho de encantamento e terror. Ela contém em sua estrutura uma ambivalência que vê a beleza como algo sempre transitória. É digno de nota que, apesar da fragilidade da escultura não perder nada da sua beleza. Ela desenvolveu um fascínio com a sua própria decadência.vidro espelhado, componentes de andaime , madeira preta mate . Dimensões: 4,5 x 18 x 17m , todo o piso do pavilhão criado por Stephen Craig é forrado com espelhos e numa caminhada, o espelho vai sendo quebrado. O pavilhão está localizado em um prédio antigo de um moinho e se refere à arquitetura modernista do Mies van de Rohe.

John Stezaker

                             

John Stezaker (b. 1949) subverte o familiar através de colagem de uma forma inquietante. Stezaker transforma stills de filmes clássicos e postais antigos, revistas e ilustrações de livros, invertendo os rostos, com cortes certos, que desorganizam a ordem, combinando-os a desafiar e complicar as conotações do original. Com mais de noventa obras em papel a partir da década de 1970 até hoje, John Stezaker oferece um estudo aprofundado da capacidade do artista em produzir novas imagens pela justaposição de cenas diferentes a partir de fotografias encontradas.  Nasceu na Inglaterra em 1949, e atualmente vive e trabalha em Londres. Estudou na Slade School of Fine Art em Londres, em 1960, e desde então tem ensinado na Central Saint Martins School of Art, Goldsmiths College, e do Royal College of Art. Stezaker expôs amplamente em todo o Reino Unido e Europa a partir do início dos anos 1970 até hoje; exposições individuais mais recentes incluem Freiburg Kunstverein (2010); Gesellschaft für Kunst Bremen Aktuelle (GAK) (2008); família Rubell Collection, Miami (2007); Galeria Stills, Edimburgo (2007) e White Columns, New York (2006). Mostra grande grupo incluem Collage: A Imagem Unmonumental, New Museum, New York (2008); Tate Trienal 2006-New Art britânica, Tate Britain, em Londres (2006); Arte Britânica 5 (2000), e a 40 ª Bienal de Veneza ( , 1982).

John Stezaker

Kemper Museum

27 janeiro - 23 abril, 2012

Mildred Lane, Kemper Art Museum
Washington University em St. Louis
Skinker & Forsyth Boulevards
St. Louis, MO 63130 EUA

Horários:
Segunda, Quarta e Quinta-feira: 11:00-18:00
Sexta-feira: 11:00-08:00
Sábado e Domingo: 11:00-06:00
Terça-feira fechado

desenhos de Gobi

Desenhos não identificados, foram vistos pelos satélites no deserto de Gobi, na China. Com algumas imagens, disponíveis no Google Earth, retângulos reflexivos com até um quilômetro de comprimento podem ser visto, um emaranhado de linhas brancas brilhante que são claramente visíveis do espaço. As grades de linhas em ziguezague brancas, são alvos de espionagem por satélite de calibração. Câmeras de satélite focam nas grades, que medem cerca de 0,65 quilômetros de largura por 1,15 quilômetros de comprimento, e as utilizam para se orientarem no espaço.Outras fotografias mostram enormes círculos concêntricos no chão, com três aviões estacionados em seu centro ...
É o que diz Jonathon Hill, um técnico de pesquisa e planejador da missão no Centro de Vôo Espacial Mars Universidade Estadual do Arizona, que opera muitas das câmeras utilizadas durante as missões da NASA Mars. Hill trabalha com imagens da superfície marciana, tiradas por sondas e satélites, bem como dados de instrumentos em órbita da Terra, da NASA. A existência desses alvos de calibração pode parecer suspeito ou revelador, mas Hill disse que realmente não é; a China já era conhecida por operar satélites espiões, e muitos outros países (incluindo os Estados Unidos) fazem também. Na verdade, os EUA também usa alvos de calibração. 

artigo de Malcolm Moore para The Telegraph e MSNBC

http://www.msnbc.msn.com

Pipilotti Rist 2012

Pipilotti Rist. Lobe Of The Lung, 2009. Audio video installation

Pipilotti Rist. Massachusetts Chandelier, 2010. Made from underwear.

"Era uma vez havia uma menina chamada Elisabeth Charlotte Rist, que nasceu nos Alpes da Suíça. Enquanto crescia, ela percebeu que ela via o mundo através de lentes diferentes da maioria das pessoas. Anos mais tarde, quando mais velha, ela se renomeado Pippiloti Rist - homenageando a heroína ficcional poderoso de sua infância - e decidiu se tornar um artista de compartilhar seu universo criativo com todos os outros", é o que escreve Carolina Menezes no site  "studio internacional http://www.studio-international.co.uk/reports/pipilotti-rist

O ato de escolher para ser chamado pelo nome do personagem de um livro infantil popular carrega um significado profundo quando vemos a estética da artista de 49 anos, suíça, cujos trabalhos são concebidos de modo a transferir o corpo humano para o reino da imaginação. Sua arte cria um ambiente fluido em que o público é convidado a atirar-se sem qualquer preocupação, também na literatura fantástica para as crianças. Trabalhando com vídeo-instalações desde o final dos anos 1980, Pipilotti realiza recentemente uma retrospectiva na Hayward Gallery, Londres, que fará um passeio ao Museu Kunsthalle Mannheim em 2012. É a primeira vez que pessoas nos dois países, a Grã-Bretanha e Alemanha, terão a chance de ver uma coleção abrangente de sua obra toda em conjunto.

A exposição retrospectiva, "Eyeball Massage", apresenta uma miríade de telas e projeções que compõem mais de 30 obras de arte, multimedia, som e imagem. O conjunto de obras é, de fato indivisível, tornando a exposição como uma instalação inteira. Eyeball Massage na Hayward Gallery parece que foi montada de tal forma, que ninguém pode dizer exatamente onde uma obra começa e quando termina. Pipilotti cria uma zona de imersão intensa - que talvez possa também ser interpretado como uma zona de conforto - de modo que quando você sair , certamente vai estar em um estado de espírito diferente.

A prática de Pipilotti não é apenas comprometida com a interação dos participantes entre o corpo e a tecnologia. Esta é apenas uma das características que emergem de sua retrospectiva. A artista também aborda uma série de outros temas de sua experiência artística como o público e o privado, feminismo e cultura popular, tudo de forma muito poética. Muitos temas que dizem respeito à vida cotidiana são revelados em um universo sensorial e fantástico, que se manifesta com os melhores dispositivos tecnológicos. Essa combinação criou um fenômeno fascinante e uma estética poderosa, nesse sentido uma inovação que deve ser atribuída à contemporaneidade. IMPERDÍVEL...

Hayward Gallery, Londres, 
28 set 2011-8 janeiro 2012

Kunsthalle Mannheim Museum, Mannheim
3 março - 24 junho 2012

2012

temos 365 dias pra fazer 2012 valer...em cada segundo...

Serão 8.760 horas!

525.600 minutos!

31.536.000 segundos!!!!

***já ta valendo!!!!

*ócios são mais que bem vindos, verdadeiras janelas da alma...

Ilha

São tantas as verdades...
Hoje, a partir das 17h, estas e outra palavras férteis na LiLoLuXo, lojita do Drosophyla Bar. 
Kekei (Cristiane Mesquita) e Thaís Graciotti vão estar num arquipélago de coisas lindas! Super oportunidade!
I L H A , recomendo totalmente!
http://www.drosophyla.com.br/
Rua da Consolação 1681

Jessica Eaton

A série Cubos de Albers e LeWitt 

Jessica Eaton, uma jovem fotógrafa, cuja quase paranormal canalização de Josef Albers faz uma homenagem, fantástica contemporânea ao seu trabalho. 

A primeira exposição solo, em NY, de Jessica Eaton. Jessica Eaton cria arte considerando especialmente o que Joseph Albers chamou de "discrepância entre fato físico e o efeito psíquico". Instrumentos de Eaton para ver se há uma negociação da realidade perceptível e como a fotografia trabalha a fim de expandir o potencial de uma fotografia construída. O trabalho produz um efeito em que um olhar firme torna-se uma névoa constante. "A série Cubos de Albers e LeWitt  explora as possibilidades de manipular o tempo de percepção do espaço, e, em particular, o sistema aditivo de cor. As imagens são construídas em folhas de fotografia 4 x 5. O assunto é, na realidade monocromático. As fotografias usam um conjunto de cubos e opções de chão pintado de branco, dois tons de cinza e preto. Através de múltiplas exposições, os tons de cor em cada imagem foram feitas, expondo o filme às cores primárias, adicionando vermelho, verde e azul. O valor reflexivo dos cubos controla o valor de leveza desse matiz, e o preto é utilizado como um tipo de máscara reflexiva, mantendo o potencial do filme para os outros riscos. As imagens são completamente fotográficas, ainda não visíveis à olho nú. "Jessica-Eaton

Jessica Eaton (b. 1977, vive em Montreal) tem um BFA em fotografia da Emily Carr Institute, Vancouver. Desde que se formou em 2006 Eaton tem exibido regularmente em grupo e shows solo no Canadá e nos Estados Unidos. Suas fotografias foram publicadas em diversas publicações, incluindo Wallpaper; Espuma; Hunter e Cook; BlackFlash; Cor; Poder Pirâmide e 02 Lay Flat: Meta, entre outros. Artnews reproduzida Eaton "cfaal (mb RGB) 18, 2010" na capa de março de 2011 para acompanhar o artigo, The New Photography.

Cubos para Albers e LeWitt

3 novembro - 17 dezembro, 2011

Higher Pictures

764 Madison Ave., at 65th St., New York, N.Y.

212-249-6100

higherpictures.com

kaalam

Explorar os gestos e movimentos da caligrafia, é  que o artista Kaalam (aka julien breton), que vive em Nantes criou: um corpo de trabalho que usa sua mão leve e fotos de longa exposição fotográfica para capturar a forma transitória e efêmera, dentro de um cenário real. Muitas vezes utilizando sítios/lugares urbanos ou históricos como suas telas tridimensionais, o artista autodidata cria o seu alfabeto latino próprio, baseado na caligrafia árabe e oriental tradicional. 
O processo de captura, que pode demorar até 10 minutos, requer um movimento coreografado e cheio de práticas, pois kaalam usa da repetição e consegue cores diferentes de "tinta/luz" através de gelatina pigmentada, que é aplicado diretamente sobre as lâmpadas. nenhuma das fotografias são retocadas ou editadas, ilustrando o processo trabalhoso em um único tiro.

Tviga

Tviga torna o som visível. Ela é russa e nasceu em Petesburg, Russia, e vive em Londres. Acaba de participar  da Baltic Bienal of Photography. Seu projeto Sound light e Sound Still forão concebidos baseado no conhecimento de que apenas 8% de florestas antigas da Terra são protegidas, e que a exploração madeireira destrutiva está ameaçando vastas áreas. 
Tviga é uma fotógrafa e artista de instalações de áudio nterativo  com seu trabalho de arte visual. Ela começou a gravar os sons da floresta Silger ao longo da fronteira da Rússia com a Finlândia - ela captou as vibrações das árvores prestes a serem derrubadas - e depois os fez audível e visível. No processo, ela criou uma série de sons assombrosamente belos e atraentes, imagens impressionantes, como essas acima.
"Eu passo o som. O ruído de um local se manifesta em outros lugares, e em outra dimensão. Dirijo-me ao som em três dimensões, como objetos que parecem ser planos, e depois aumenta essa sensação de achatamento, e de silêncio, como o silêncio de uma fotografia. Os seres humanos estão intrigados há tempos com esses sons, pois agora visualizamos as ondas sonoras, pois somos supostamente, "melhores" em ver do que ouvir.  Há mais neurônios em nosso cérebro dedicados ao "visual" do que ao som, e assim podemos pensar que somos mais capazes de analisar dados quando se trata de um reino visual."
Em seu site ela compartilha não só as imagens fotográficas, mas também uma documentação completa dos processos de trabalho que ela usa. Mesmo que ela revele os ossos de como ela funciona em detalhes, o mistério e a magia de suas imagens e sons permanecem persistentemente na memória, como ela pretendia.
http://tviga.com/