quinta-feira, 19 de abril de 2012

Dalila Gonçalves



A artista portuguêsa Dalila Gonçalves desenvolveu um jardim de esculturas ao ar livre formado a partir de pedras com suas superfícies parcialmente cobertas com azulejos portugueses. Cada pedra foi revestida com azulejos feito pelas mãos da artista de forma artesanal, como os que normalmente enfeitam fachadas vibrantes do seu país de origem, mas esses foram decorados no estilo da região de Bruxelas "Blankenberge".Pra realizar e desenvolver a instalação exterior, a artista e sua equipe mapearam o exterior das pedras - uma grade foi criada para observar onde cada azulejo será permanentemente posicionado. Cada peça de louça foi então formada para se encaixar de forma convexa e côncava das rochas. "kneaded memory"'está em exposição na Blankenberge, Bélgica, como parte da edição 2012 do Beaufort 04: Quarta trienal de arte contemporânea à beira-mar . As pedras estão dispostas de forma aleatória no pátio da igreja, os azulejos foram esculpidas para adaptar-se com superfície de cada rocha.

Dalila Gonçalves: kneaded memory

Beaufort 04, blankenberge, 
Bélgica , agora até 30 de septembro de 2012

Alvaro Catalán de Ocon

O efeito gráfico e optical dessas banquetas Rayuela desenhadas pelo espanhol Alvaro Catalán de Ocon  é muito especial. São hexagonais e feitas pra serem acumuladas e infinitas de muitas formas diferentes, gerando padrões múltiplos. A idéia é incrível e se utiliza da mistura de madeiras com texturas e cores diversas. Olhe esse vídeo feito pelo próprio escritório.
http://vimeo.com/38924422 

quarta-feira, 21 de março de 2012

Maurizio Anzeri

Palavras do próprio Maurizio Anzeri, que vem bordando fotos antigas: "Eu venho recolhendo fotografias antigas por muito tempoAlguns anos atrás eu estava fazendo desenhos a tinta com elas e por curiosidade eu costurei uma. Eu trabalho muito com costura a mãoe o link para a fotografia era um caminho natural. Eu coloquei papel vegetal sobre a foto e desenhar no rosto até que ela se desenvolve. Às vezes, a imagem vem de imediato, sugerido por um detalhe em um vestido ou em segundo plano, mas com a maioria delas eu gasto muito tempo desenhandoUma vez que o desenho é feito, eu furo a foto com um conjunto de agulhas, como ferramentas e os buracos são obsessivamente bordados à mesma distância para transmitir uma idéia da geometria. Quando eu começo a costurar algo mais aconteceas mudanças de luz, e em alguns pontos você pode perder a face, em outros você ainda pode ver sob ela".
Maurizio Anzeri faz seus retratos com padrões bordados parecerem trajes elaborados, mas também sugerem uma aura psicológica, como se revelassem os pensamentos da pessoa ou seus sentimentos. A aparência antiga das fotografias é, muitas vezes antagônicas com as linhas finas e sedosas dos fios. Uma forma, que quando combinados dá o efeito de uma dimensão em que a história e futuro convergem. 

domingo, 18 de março de 2012

Naheed Raza

Silk, 16mm, 7', silent Naheed Raza foi finalista do Premio The Jerwood/ Film and Vídeo Umbrella award, uma grande iniciativa que move artistas da imagem com un fundo de  £56,000. Os quatro finalistas são: Ed Atkins, Emma Hart, Naheed Raza, Corin Sworn. O Premio dura por dois anos, e no primeiro eles ganharão uma bolsa de £4,000, pra pré produzir algo significante pra exposição coletiva agora em Março no Espaço Jerwood. Nos endereços abaixo da pra ver o vídeo "Silk":
http://www.thisistomorrow.info/default.aspx?webPageId=1
http://www.naheedraza.co.uk/work.html
Silk retrata as vacilações da Orb Weaver uma aranha dourada especialista em tecer. Segundo o folclore, sua linha é tão forte que os pescadores usam para pescar nas ilhas indo pacific: A linha é lançada na água e se desenrola capturando as de presas. A seda é actualmente objecto de investigações biomédicas devido à sua elevada resistência à tração (mais forte que o aço de um diâmetro equivalente) e tem uso potencial como um biomaterial por exemplo, especial para a formação de tecidos. Os movimentos da camera de 16mm chegam muito perto da aranha infestada, e de seu corpo durante o ato de extrusão, e um prisma giratório hipnótico enrola a seda que é recolhida.

domingo, 4 de março de 2012

Rosângela Rennó


Abrindo a agenda cultural do ano Portugal-Brasil, duas artistas brasileiras com obras bastante distintas se apresentam simultâneamente no Centro de Arte Moderna de Lisboa. Beatriz Milhazes e Rosângela Rennó – Apesar de trabalhar com a fotografia Rosangela não é uma fotógrafa. Ela coleta imagens de procedências variadas para reapresentá-las sob outra perspectiva. A extensão do seu interesse é grande, vai de fotos familiares a cenas de violência e retratos de prisioneiros e a abordagem é política, social e é também conceitual. Além de reconfigurar um universo de imagens existentes, tratadas como uma espécie de objet trouvé, o trabalho dela aborda a imagem fotografada como forma de normatização, encosta nas questões de autoria e, particularmente nos trabalhos em vídeo, fragmenta ou dilata a narrativa. Frutos estranhos [Strange Fruits], o título de uma série de obras de 2006 criadas por Rosângela Rennó, nascida em Belo Horizonte em 1962, e também tornou-se o título desta exposição que examina mais de duas décadas de sua obra (1991-2012). A escolha foi feita porque o título tem um enigma, e, portanto uma sedutora qualidade, gerando um desejo de ver, observar e interagir com essa estranheza, mas também porque acreditamos que com sucesso sintetiza a atitude de Rennó para a fotografia e, mais amplamente,o mundo técnico das imagens. A artista não fotografa as imagens no seu trabalho. Seu ato artístico é coletar imagens de várias fontes, a partir de álbuns de família, fotografias de jornais e agências de notícias, bem como obituários, fotos de identificação e registros de arquivamento ou até mesmo fotos de turistas. As imagens - com a exceção de seu trabalho em vídeo - são sempre encontradas, apropriadas e selecionadas, mas re-contextualizadas, reformuladas e reeditadas. Elas são, portanto, de alguma forma o fruto de uma árvore viva que o artista só recolhe e organiza exposições e - de uma maneira que às vezes é incomum - incentivando-nos a olhar para estes frutos do olhar e da memória dos outros sob uma nova luz, com uma cosmogonia redefinida. Conceitual e política na abordagem, Rennó mostra-nos vítimas de actos de violência e exclusão social, de prisioneiros de figuras anônimas, mas ela também denuncia a fotografia como um ato de manipulação, oferecendo o potencial para manipulação interminável e reconfiguração infinita, como num Puzzles (mulher e homem) , a partir de 1991. Na série A foto jornal Última [A última foto] (2006), ela nos obriga a refletir sobre as implicações da mudança do analógico para fotografia digital, e também noções contemporâneas de autoria e reprodução. Frutas estranhas não é sobre o exótico, mas se concentra numa cartografia, que atravessa grande parte da vida humana, desde a maneira pela qual nos identificamos ou são identificados / registrados, e como nos relacionamos com nosso ambiente, tocando inevitavelmente sobre a história da própria fotografia como um recurso e meio de comunicação mútua.
ROSANGELA RENÓ
Frutas estranhas
A partir de fevereiro 17-06 maio 2012 
CAM - Galeria 1 e B Sala 
Curadoria: Isabel Carlos

sábado, 25 de fevereiro de 2012

Daniel Buren

Instalação 'A Perimeter for a Room' de Daniel Buren, 2011

Particularmente adoro o trabalho dele. Acho incrível a forma livre como ocupa lugares com suas obras onde luz e cor te engolem na maioria das vezes. Ao longo de sua carreira de 45 anos, o artista francês Daniel Buren  expôs nos melhores locais do mundo com suas obras de arte em site specifcs como: Versalhes, Guggenheim, Paris, Nuremberg, Bélgica,Tóquio, Senegal para citar apenas alguns lugares. Seu último local foi em Londres na Lisson Gallery, onde ao longo de uma semana, ele transformou o espaço com obras que exibem suas marcas coloridas, formas geométricas e sua assinatura com listras. Ele não tem um atelier há mais de 43 anos, e faz questão que quem compre suas obras só as mostrem da mesma forma que montou, sem mudança alguma.

entrevista dada à wallpaper:
"Eu sempre uso materiais locais. Este é o ponto de partida. Na Europa, você pode ter tudo, mas muitas vezes eu estou trabalhando em países onde os materiais originais são raros. Duas semanas atrás, fiz uma exposição no Senegal e o único material que eu gostei foi uma malha anti-mosquito, que custou quase nada. Para as peças de tecido, eu usei um material novo, criado há três anos por uma empresa têxtil muito antiga francesa. É um cabelo como a fibra óptica, para  brilhar com LEDs. Eu fui o primeiro a usá-lo, e ele ainda está sendo desenvolvido para uso na indústria e na arquitetura. Gosto de trabalhar com colaborações com arquitetos. Recentemente, eu trabalhei com Jean Nouvel em um projeto de grande público na Itália, na cidade de Colle di Val d'Elsa, que levou oito anos para ser concluído."
http://www.danielburen.com

Jim Hodges



Fotos de David Regen. Jim Hodges - Sem título, 2011.Granite, aço inoxidável e lacquer.75 x 248 x 301 polegadas instalado. Direitos Autorais Jim Hodges - Cortesia Gladstone Gallery, Nova York e Bruxelas

A Gladstone Gallery tem o prazer de anunciar a sua nova exposição com os novos trabalhos de Jim Hodges , que que ocupa ambos os espaços da galeria,no Chelsea e marca o primeiro projeto da artista em New York. Por mais de duas décadas, Hodges tem utilizado uma ampla gama de materiais do cotidiano para criar obras que transformam esse objeto num local onde o pessoal, político e universal se fundem através de gestos simples e poéticos. Retomando modos variados de processo e produção, a prática de Hodges resiste aos objetivos de um discurso atemporal, procura evidenciar o imemorial e em vez disso oferece obras em várias camadas que evocam temas ressonantes tais como identidade, perda, mortalidade e amor.  
Nesta exposição em duas partes, Hodges apresenta várias novas grandes obras escultóricas que investigam as noções de tempo, movimento, cor e reflexão. Ampliando seu uso frequente de elementos espelhados, Hodges expõe sua maior escultura espelhada até agora, criando uma zona contemplativa ainda com fratura de reflexão e refração. Uma instalação do tamanho da sala, inspirada pela recente viagem da artista a Índia, demonstra um foco mais concentrado na cor, o desempenho da saturação, nos levando à introspecção, e dentro da noção de tempo e movimento. Mesclando o real com o imaginado, um agrupamento monumental de esculturas perfeitamente se justapõe em densas formas orgânicas, e materiais sintéticos. Movendo-se entre diferentes meios e formas contrastantes, Hodges incorpora cada uma com um sentido carregado de sua própria autoria e uma infinidade de possibilidades metafóricas. Jim Hodges nasceu em 1957, em Spokane, Washington e recebeu seu mestrado pela Pratt Institute no Brooklyn, NY. Sua obra tem sido objecto de inúmeras exposições individuais, incluindo: o Centro Pompidou, Paris; Arte Camden Centre, de Londres, o Aspen Art Museum; CGAC, Santiago de Compostela, Espanha; Ensino Tang Museum and Art Gallery em Skidmore College, Saratoga Springs , NY, e do Museu de Arte Contemporânea de Chicago. Hodges foi recentemente nomeada para atuar como Diretora Interina do Departamento de Escultura de Pós-Graduação na Escola de Arte da Universidade de Yale para o ano acadêmico de 2011/2012 . 
515 West 24th Street | 530 Ocidente 21st Street, NY
05 de novembro através de 23 dezembro de 2011

sexta-feira, 24 de fevereiro de 2012

Penelope Umbrico

Os trabalhos da artista Penelope Umbrico, como As is são forjados no imaginário criado pela internet, uma espécie de absorção de tecnologia e suas implicações mais diretas como a obsolescência programada. Ela transcreve as imagens de sites fragmentados na construção de novas obras que questionam a sintetização da arte comtemporânea e as promessas ou simulacros que essas questões nos sugerem. A série Sunset Portraits também trabalha esses fragmentos reunindo imagens extraídas do Flickr e questionam, de maneira contundente, qual será o legado dessas assombrosa quantidade de informação visual que flana pelo mundo cibernético Pós-graduada pela School of Visual Arts de Nova York, nos Estados Unidos, onde obteve seu M.F.A, e pela Ontario College of Art, em Toronto, no Canadá, a artista já apresentou suas obras e instalações no Canadá e nos Estados Unidos, participando de exposições na Bélgica, Holanda, Austrália e Japão, entre outros países. As imagens da artista também podem ser vistas no livro Penelope Umbrico (photographs) publicada pela Aperture Foundation. Nascida na Philadelphia, vive e trabalha em Nova York. (esse trecho foi retirado do site PARATY em foco, pois ja diz tudo)
http://www.penelopeumbrico.net

quinta-feira, 16 de fevereiro de 2012

+Antonia Low


 
 

Antonia Low

GEWICHT DES SEHENS, 2011, (PESO DE VER) Städtische Galerie Nordhorn modernismo náufrago encantamento e terror - Antonia Low criou um magnífico espelho numa instalação no chão ,que joga com a percepção espacial de forma impressionante. Sua visão é profunda e permanentemente transformada. Agora e depois um estalo alto pode ser ouvido. Parece que uma explosão de gelo em um lago congelado que está começando a derreter lentamente. O som é consistente, porque na verdade são geradas instantaneamente as rachaduras. Eles surgem, porém, não num gelo fundente, mas em uma base de espelho que se estende sobre o espaço da galeria inteira. Quem quer entrar na sala de exposições, tem que passar por pontes de madeira e andaimes, semi-construídos ou semi-destruídos com até  1,50 metros de altura sobre uma estrutura de fero preto. De lá, a superfície do espelho pode ser maravilhosamente vista em sua totalidade.Aqui também reside a natureza paradoxal da instalação , pois " Peso de ver " dá uma visão fascinante aos espectadores, com a acumulação das partes do esqueleto despedaçados do solo precioso. Sob o peso da ponte e do movimento dos visitantes as rachaduras continuam a ser produzidas. A idéia original dessa foi baseada em uma experiência concreta: uma visita a uma escavação arqueológica em Chipre. Em 1962, em Pafos encontraram ruínas que datam do tempo dos romanos, que são equipados com mosaicos fascinantes. Para visualizá-los, eles construíram passarelas de madeira, que são muitas vezes usam espelhos pra poder visualizar as peças encontradas.Ele também joga com o desenvolvimento complexo de crescimento e declínio. A ponte é apenas parcialmente acessível, caindo em outros lugares, mas ainda em construção ou não correta. Uma abordagem arqueológica para a descoberta e é, portanto, no ambiente cotidiano. Será auto-consciente no espelho, vê-se a destruição na terra e a instalação adere a um instrumento multi-facetado de percepção bastante vertiginosa. A superfície do espelho reflete o espaço em si com sua altura dobrada, com seis metros, em vez de um limite máximo de três metros. Este efeito imaginário varia entre o trabalho de encantamento e terror. Ela contém em sua estrutura uma ambivalência que vê a beleza como algo sempre transitória. É digno de nota que, apesar da fragilidade da escultura não perder nada da sua beleza. Ela desenvolveu um fascínio com a sua própria decadência.vidro espelhado, componentes de andaime , madeira preta mate . Dimensões: 4,5 x 18 x 17m , todo o piso do pavilhão criado por Stephen Craig é forrado com espelhos e numa caminhada, o espelho vai sendo quebrado. O pavilhão está localizado em um prédio antigo de um moinho e se refere à arquitetura modernista do Mies van de Rohe.

domingo, 29 de janeiro de 2012

John Stezaker



John Stezaker (b. 1949) subverte o familiar através de colagem de uma forma inquietante. Stezaker transforma stills de filmes clássicos e postais antigos, revistas e ilustrações de livros, invertendo os rostos, com cortes certos, que desorganizam a ordem, combinando-os a desafiar e complicar as conotações do original. Com mais de noventa obras em papel a partir da década de 1970 até hoje, John Stezaker oferece um estudo aprofundado da capacidade do artista em produzir novas imagens pela justaposição de cenas diferentes a partir de fotografias encontradas.  Nasceu na Inglaterra em 1949, e atualmente vive e trabalha em Londres. Estudou na Slade School of Fine Art em Londres, em 1960, e desde então tem ensinado na Central Saint Martins School of Art, Goldsmiths College, e do Royal College of Art. Stezaker expôs amplamente em todo o Reino Unido e Europa a partir do início dos anos 1970 até hoje; exposições individuais mais recentes incluem Freiburg Kunstverein (2010); Gesellschaft für Kunst Bremen Aktuelle (GAK) (2008); família Rubell Collection, Miami (2007); Galeria Stills, Edimburgo (2007) e White Columns, New York (2006). Mostra grande grupo incluem Collage: A Imagem Unmonumental, New Museum, New York (2008); Tate Trienal 2006-New Art britânica, Tate Britain, em Londres (2006); Arte Britânica 5 (2000), e a 40 ª Bienal de Veneza ( , 1982).

John Stezaker
Kemper Museum
27 janeiro - 23 abril, 2012

Mildred Lane, Kemper Art Museum
Washington University em St. Louis
Skinker & Forsyth Boulevards
St. Louis, MO 63130 EUA
Horários:
Segunda, Quarta e Quinta-feira: 11:00-18:00
Sexta-feira: 11:00-08:00
Sábado e Domingo: 11:00-06:00
Terça-feira fechado