Richard Serra

Richard Serra usou 56 placas de de aço, na Fazenda Gibbs que se inclinam para fora por 11 graus em relação à vertical e traçam uma linha de contorno único na terra de uma forma que, nas palavras do artista, "recolhe o volume da terra." O trabalho é uma característica das relações fortes que se formaram entre o coletor e os artistas que tem obras em sua fazenda. Serra diz que no encontro com Gibbs, "A primeira coisa que ele me disse foi" Eu tenho estado a Storm King  e eu quero uma parte mais significativa do que isso. Eu não quero qualquer peça fracote na paisagem. "

Gibbs Farm é um cenário incomum para uma coleção de esculturas. O Norte da propriedade em Auckland, na Nova Zelandia, é dominado pela Porto Kaipara, o maior porto do hemisfério sul. Tudo na propriedade e, eventualmente, flui em direção ao mar, e toda a obra se relaciona de alguma forma com o mar. O fluxo da terra, o imenso corpo de água, e a variedade assertiva dos elementos têm tudo se impuseram sobre os artistas. Gibbs reconhece que "o desafio para os artistas é a escala da paisagem, que inicialmente assusta" e exige mais alguma coisa deles. Andando pelas terras os visitantes podem apreciar a forma como cada artista chegou a um acordo em seu próprio caminho com a força gravitacional que é exercida sobre todas as coisas como as montanhas rolam em colinas, vales e encostas para baixo em direção a vasta extensão plana do porto Kaipara.

Depois de quase 20 anos Gibbs Farm inclui grandes obras de Graham Bennett, Chris Booth, Buren Daniel, Bill Culbert, Dawson Neil, de Marijke Goey, Andy Goldsworthy, Hotere Ralph, Anish Kapoor, LeWitt Sol, Len Lye, Moisés Russell, Peter Nicholls, Eric Orr, Tony Oursler, George Rickey, Peter Roche, Richard Serra, Kenneth Snelson, Richard Thompson, Leon van den Eijkel e Zhan Wang. A maioria dos trabalhos na coleção são comissionados e o comissionamento de novas obras ao invés de comprar de uma exposição envolve a satisfação de lidar com os artistas, como cita o comentário de Gibbs "eles são interessantes porque são vencedores, duros, ambiciosos".

http://gibbsfarm.org.nz/serra.php

Geoffrey Farmer

'Leaves of Grass' 

O artista Canadense Geoffrey Farmer esta na 13 ª Documenta Art Festival, que apresenta obras de 200 artistas e acontece a cada cinco anos por um período de 100 dias em Kassel, na Alemanha.O trabalho dele se estende por vinte metros de colagens que formam uma escultura construída a partir de milhares de recortes da LIFE Magazine, revista americana com imagens entre os anos de 1935 e 1985. Cada uma das pequenas fotografias recortadas e os vários objetos de anúncios e artigos, incluindo políticos, produtos ícones entre outros, representam um determinado ponto da história visual para o jornal americano. Esses trechos da "Life" são afixados individualmente em finas hastes de madeira, a fim de exibir corretamente todas as imagens escolhidas pelo artista a partir dos anos 50. o título faz referência à coleção de poesias do escritor americano Walt Whitman e parece existir como um campo de representação visual do sentido americano da "auto-identidade" através de imagens populares desta época. 

Geoffrey Farmer (1967-) Nasceu em Eagle Island, Columbia Britânica, Canadá. Estudou na Emily Carr Institue of Art and Desgn, Vancouver e no San Francisco Art Institute, São Francisco. Residência artística na Kadist Art Foudation, Paris. Trabalha com projetos muitimídias incluindo desenho, fotografia, vídeo, escultura, performance e instalação baseados em assuntos da cultura popular. Vive e trabalha na Columbia Britânica. Participou das Bienais de Instambul, Bruxelas, Sidney e Montreal.

Olafur Eliasson

Olafur Eliasson: Little Sun at Tate Modern

Numa exposição desenvolvida para o Festival de Londres 2012 , Olafur Eliasson traz seu "Little Sun" com lâmpadas movidas à energia solar na Tate Modern , onde os visitantes podem usar os dispositivos para explorar o museu  afterhours aos sábados, com todas as luzes do prédio desligado. Estes "blackouts na Tate" - são uma referência à exposição internacional surrealista de 1938, na Galerie de Paris des Beaux Arts em que Man Ray ofereceu lanternas aos visitantes para explorar as galerias - são apenas um aspecto de Olafur Eliasson da exposição "Little Sun". Um espaço dedicado , no terceiro andar da galeria apresenta as peças ao lado de instalações de energia solar. A partir de setembro, a exposição "Little Sun" terá um seminário e a estreia mundial de 16 curtas-metragens internacionais sobre a " luz, a vida, e  sobre o sol''. Lâmpadas solares do "Little Sun" foram desenvolvidas por Olafur Eliasson, em colaboração com o engenheiro Frederik Ottesen, e apresentado pela primeira vez no Fórum Econômico Mundial 2012 (site designboom). Os dispositivos são projetados para distribuição em países em desenvolvimento e fora das redes locais, melhorando as condições de vida e qualidade de vida em áreas que muitas vezes dependem de lampiões de querosene. Olafur Eliasson reflete sobre a exposição: "Ao longo dos anos, fui absorvido por fenómenos como a luz, o tempo, a negociação do espaço, a compaixão e a relação entre corpo, mente e ação. "Little Sun" traz estas diferentes vertentes do meu trabalho juntos - este é um passo muito importante para mim. trazendo "Little Sun" a Tate Modern e as Olimpíadas de Londres, espero realizar um projeto de arte para aqueles que normalmente não têm acesso a eventos globais desta escala".

Tate Modern, Londres

28 de julho de 2012 - 23 de setembro de 2012

Werner knaupp

Hipnotizada pelas furiosas águas inflexíveis das pinturas de Werner Knaupp que é um mestre de tons escuros, camadas temperamentais e texturas. Brilhante o seu vigor! Se o litoral é o lugar para o drama em que todos os elementos são confrontados, Werner Knaupp escolheu o mar profundo e selvagem, com massa imensa , escuro e invencível. Van Gogh, Turner e Courbet também estavam debatendo sobre a energia da natureza como uma metáfora para a vida. Como todo mundo está vivendo no fundo de seus próprios abismos onde mesmo o intelecto não é proteção suficiente, Werner Knaupp usa a profundidade e as camadas de acrílicos para representar este muro impenetrável de água. Essas peças do mar são peças alma, onde Werner Knaup pinta a si mesmo, sua vida e seus enganos. Werner Knaupp certamente não é um pintor de paisagens. Werner Knaupp está vivendo aqui e agora desde uma eternidade, lutando contra seus medos na frente da natureza, pelo visto! Werner Knapp nasceu, vive e trabalha em Nürenberg, Alemanha, desde 1936.

Muitas das suas obras são baseadas em experiências existenciais fortes. Desde 1964, ele viaja regularmente para paisagens extremas (desertos, vulcões, montanhas), como o Saara e na Antártica , na Ilhas Lofoten , no Havaí, Nova Zelândia e Islândia . Também influentes foram as  situações de fronteira: doença, loucura,e morte, pois trabalhou por vários meses como auxiliar de enfermagem no Hospital Mental Bayreuth (1977 a 1978), e na casa "terminal" de Madre Teresa em Calcutá na Índia (1979) e no crematório da cidade de Nuremberg (1980). Werner Knaupp estudou de 1957--1964 pintura na Academia de Belas Artes de Nuremberg com Fritz Griebel , Michael Otto Schmitt e Gerhard Wendland  (via wikipédia aqui). Nos anos 1970 e 1971 foi professor visitante da Academia de Belas Artes em Karlsruhe. Em 1977, ele participou da Documenta 6 , em Kassel. De 1986 a 2001 Werner Knaupp ensinou como professor de pintura na Academia de Belas Artes de Nuremberg. Desde 2004 é membro da Academia Bávara de Belas Artes em Munique. Werner Knaupp rabalha em Ernhofen , em Nuremberg. Seu trabalho, com mais de 50 anos de estrada, é caracterizado por diferentes grupos de trabalho, que se seguem uns aos outros, cada um compreendendo ciclicamente um número de anos. Os vários períodos criativos diferem tanto tematicamente como parte dos muitos materiais utilizados também se revezam. 

As obras do artista estão, entre outros, nas coleções da Nova Galeria Nacional em Berlim , nas Coleções de Arte em Dresden , o Kunsthalle de Hamburgo , nas coleções de arte da Neue Galerie , Kassel, o Museu Ludwig de Colónia, a Ludwigshafen Wilhelm-Hack-Museum , o Kunsthalle em Mannheim , o Städtische Galerie im Lenbachhaus em Munique, o Museu de Arte Moderna de Nova York, o New Museum, em Nuremberg e a Pinacoteca do Estado, em Stuttgart .

http://www.wernerknaupp.de/

Tanapol Kaewpring

Tanapol Kaewpring (1980, Tailândia) graduado com um BA em Arqueologia na Universidade Silpakorn, Bangkok. Atualmente é fotógrafo Wallpaper * Magazine (edição Tailândia) e baseia-se em Bangkok. Nos últimos anos, Kaewpring foi migrando seu trabalho para o campo das artes. Essa série de fotografias se chama:  A Little Things Series . Seu trabalho combina um agudo senso de profundidade, composição e perspectiva com observações ponderadas da condição humana através de sonhos, como configurações. Ele já expôs seu trabalho de Fotografia em 2006 e 2008, em Bangkok, bem como a exposição do coletivo Positive Living, na University de Bangkok  em 2008. nota da curadora Eva McGovern: A psique humana é complexa. Nós muitas vezes vivemos em nossas mentes, em vez de estar presente no momento. Intangíveis pensamentos têm o poder de limitar a nossa felicidade e sucesso na vida. Por isso, ficamos presos aos limites que permitam à sociedade nos impor. It is these seemingly ‘little things’, that become powerful inhibitors for human beings. Novo corpo Tanapol Kaewpring dá nova forma a esses desafios abstratos usando um cubo de vidro curioso no ambiente natural e urbano como uma metáfora para os sistemas que estamos submetidos. Estas caixas simbólicas podem ser físicas, como uma casa e um apartamento, bem como quadros sociais da família, religião, cultura e política. Cada cubo está situado dentro de ambientes específicos, a praia, a floresta, o deserto e a cidade. Confinados dentro são elementos como fogo, fumaça, luz e água. Estas forças da natureza têm a capacidade para a grande mudança, crescimento e destruição e mesmo assim eles ainda são capazes de ser controlados pela humanidade. Mesmo que eles tenham os seus limites. Esses elementos, combinados com as suas configurações representam aspectos da liberdade psicológica. Se somos capazes de pensar fora da caixa, para quebrar o vidro que nos rodeia talvez pudéssemos alcançar a verdadeira libertação e felicidade. A abordagem de Kaewpring é da poética pessoal, de transcendentalismo preso. Ele utiliza a manipulação digital e técnicas de pós-produção para criar estes pontos intensos de meditação. Também parece haver ligações claras com o budismo e cultura tailandesa, durante um ponto em que muitos jovens tailandeses estão questionando sua identidade como uma negociação entre a tradição e a modernidade.

Rodrigo Torres

Me deparei com essas colagens de notas, varios "papel moeda" incríveis, feitos pelo artista brasileiro Rodrigo Torres. Usando moedas de todo o mundo, colagens com cortes precisos, em moedas de todo o mundo. Torres justapõe camadas meticulosas de padrões e texturas para criar colagens que comentam sobre as culturas e economias. Trabalho Torres "foi recentemente escolhido pelo Art Basel na Suíça para ser apresentado no June’s Art Feature sector na Suiça.

Money Is Beautiful, Lots and Lots of Money Is Pure Art

Esculpindo cachos mais frágeis e rendas pergaminhos, as contas tornam-se ultrapassar as conotações inerentes capitalistas, para algo mais sutil, a arte que celebra não tanto o que as contas podem fazer por nós como aquilo que as contas se parecem. Mesmo por conta própria, eles são realmente muito bonitos, desenhos ultra realistas, que em camadas e dispostos de forma particular, Torres consegue algo verdadeiramente especial. funciona de 14 junho - 17 junho.

Ekkehard Alteburger

MIRROR HOUSE

O artista Ekkehard Alteburger construiu a Casa "Mirror", em 1996, durante seus estudos em Edinburgh College of Art. A escultura espelhada é antiga, mas adorei essa mistura de arquitetura externa e interna. Ele estudou escultura e foi convidado a participar de uma exposição na ilha de Tiree. A ilha consiste de uma elevação plana, varrida pelo vento, no sul da Escócia. O que parece à primeira vista como uma produção de Photoshop são realmente grandes espelhos que foram anexados na forma de uma casa de campo em vigas de aço. A casa tem um pequeno lago para nadar e reflete a paisagem, em torno e o Oceano Atlântico. Ele vive e trabalha em Londres. 

Massimo Bartolini

O artista italiano Massimo Bartolini desenvolveu uma biblioteca ao ar livre para o público intitulada "bookyard" para o Belgian Art Festival, a Contemporary City Conversation in Ghent. Bartolini empregou seus talentos criativos e de mídia mista para desenvolver um conjunto de doze estantes instaladas na vinha de São Pedro na Abadia Saint-Pietersplein 14, o estabelecimento de origem na Idade Média. A forma radical de prateleiras verdes foi construída em cima de um pequeno campo gramado, alinhado com as vinhas. As unidades estão cheias de livros para venda pelas bibliotecas públicas de Gante e Antuérpia com os lucros destes itens para beneficiar as instituições. Os visitantes podem tomar emprestado, comprar ou trocar livros de segunda mão aqui na sombra simbólica da Torre Livro. Bartolini instala as estantes de acordo com as vinhas, encostada e paralela à inclinação do jardim. De acordo com Bartolini, os livros também podem ampliar a mente, assim como o bom vinho. Visitantes da exposição poderão levar para casa um pedaço da obra de arte, um objeto alojado nas prateleiras de "bookyard ", deixando uma doação de sua escolha em uma pequena caixa fornecida pelo artista e as bibliotecas. O Projeto Ghent de intervenção, TRACK, termina oficialmente em 16 de setembro de 2012. 

Massimo Bartolini é um artista de 1962, e vive em Cecina, Italia. Seu trabalho é extremamente variado e inclui meios muito diferentes como a performance, escultura e fotografia. Ele introduz a noção de perda de controle em suas instalações em uma forma lúdica, por exemplo, levantar um chão ou torcer o espaço. Seu trabalho sensual ativa uma mudança de perspectiva e levanta dúvidas sobre tudo o que parece fixo e imutável. Ele cria espaços que têm poder táctil com o uso específico de luz e muitas vezes de som também. Na realidade objetiva que ele poeticamente introduz uma porta de entrada para um mundo ideal onde não há espaço para a imaginação, sonhos, lembranças, paixões e nostalgia.

http://track.be/en/index.php/kunstenaars/detail/massimo_bartolini

Beth Hoeckel

Tão surreais quanto sonhos. Essa é a melhor forma de definir o trabalho da arista plástica Beth Hoeckel. Suas colagens feitas a mão (nada de manipulação digital!) com recortes de livros e revistas das décadas de 50 a 70 geram imagens fantasmagóricas e lúdicas ao mesmo tempo, sempre com pessoas admirando paisagens incomuns. Ela tb pinta, fotografa e manipula muito seu trabalho. Adoro! Olha o site dela: http://bethhoeckel.com/index.htm

Annie Vought

Annie Vought (n. 1977) é um artista que mora em Oakland na Califórnia. Seu trabalho explora povos e artefatos emocionais, especificamente letras e manuscritos. Ela tem uma presença de longo alcance na web e já expôs extensivamente. Em 1999 ela co-dirigiu A Galeria de Orçamento: uma galeria de arte itinerante em San Francisco, bem como Galeria Boathouse. Em 2009, Annie recebeu seu MFA de Mills College. Annie foi criada em Santa Fé do Novo México. Ela cresceu cercada pelas artes. Seu pai é um pintor e sua mãe e padrasto são músicos. Ela agora vive em Oakland com o marido e cachorro grande. Ela é uma ávida leitora e provavelmente assiste a muita TV. na sua série de correspondência cut-out, Vought relata várias notas rabiscadas à mão, cartas que ela teria encontrado, por escrito, ou recebidas , ampliando estas correspondências sobre um pedaço grande de papel. Ela esculpiu e  reinventou as comunicações imediatas, revelando uma rede de cartas interligadas com caligrafia dela, muitas vezes, e com a escolha de palavras e  erros ortográficos e de qualidade humana do autor original. 

Doris Salcedo

Uma das artistas mais consagradas da arte contemporânea. Fiquei muito impressionada com esse trabalho: "Oração Silenciosa" ou "Prece Muda", que ja foi vista em alguns lugares e épocas diferentes e agora chega à Roma, no MAXXI arte - Museu Nacional do século XXI das artes.  Ela é de Bogotá, nasceu em 1958. As esculturas e instalações de Doris Salcedo relacionam-se fortemente com episódios de violência política, debruçando-se sobre algumas tragédias públicas vividas na história recente e chamando a atenção para os traumas pessoais das vítimas. O conceptualismo do trabalho de dela em nada atenua a responsabilidade social sentida enquanto artista, rejeitando o lugar passivo de testemunha. Pelo contrário, as suas obras são pensadas como estratégias contra o silêncio e o esquecimento. Em Plegaria Muda (Oração Silenciosa) encontram-se todas as características que se tornaram marcas autorais da artista: a utilização de madeiras velhas já usadas, contentores de vivências e memórias; o objecto como vestígio, marca da existência de um corpo que já lá não está, de uma acção que não vimos, de actos de exclusão e da passagem inexorável do tempo.

Doris Salcedo faz esculturas e instalações que funcionam como a arqueologia política e mental, utilizando materiais nacionais carregadas de significado e repletos de significados acumulados ao longo de anos de uso na vida cotidiana. Salcedo muitas vezes leva acontecimentos históricos específicos como o seu ponto de partida, transmitindo encargos e os conflitos com os meios precisos e econômicos. Suas primeiras esculturas e instalações, tais como La Casa Viuda (1992-1995), combinadas com mobiliário doméstico têxteis e vestuário. Salcedo derivado seus materiais de pesquisa sobre a história recente da Colômbia político, assim que estes pertences, impregnado com a pátina de uso, estavam diretamente ligados à tragédia pessoal e política. Durante os últimos anos, o trabalho de Salcedo tornou-se cada vez mais a instalação, usando-se os espaços de galeria ou locais incomuns para criar ambientes vertiginosas encarregados de política e história. Noviembre 6 y 7 (2002) foi uma comemoração do décimo sétimo da apreensão violenta do Supremo Tribunal Federal, Bogotá, em 6 e 7 de Novembro de 1985. Salcedo situou o trabalho no novo Palácio da Justiça onde, ao longo de 53 horas (a duração do cerco), cadeiras de madeira foram abaixadas lentamente contra a fachada do edifício a partir de pontos diferentes no seu teto, criando "um ato de memória "para re-habitar este espaço de esquecimento. Em 2003, em Istambul, ela fez uma instalação em uma rua esquecida com 1.600 cadeiras de madeira empilhadas de forma precária no espaço entre dois prédios. Em 2005, no Castello di Rivoli, Turim, Salcedo re-trabalhou numa das salas principais da instituição através do alargamento do já existente majestoso teto abobadado de tijolos da galeria. A instalação sutilmente transformou o espaço existente, evocando pensamentos de encarceramento e sepultamento.

Doris Salcedo já expôs em mostras coletivas internacionalmente, incluindo 'The New Décor ", Hayward Gallery, Londres (2010)," NeoHooDoo ", Centro de PS1 Contemporary Art, Nova York e O Menil Collection, Houston (2008), 8 º Bienal de Istambul (2003) , Documenta XI (2002) e XXIV Bienal de São Paulo (1998). Exposições individuais incluem "prece Muda ', perímetro braquial, México; Moderna Museet, Malmö (2011) e' Nem ', Inhotim, Centro de Arte Contemporânea, Belo Horizonte, Brasil (2008)," Shibboleth ", Tate Modern, Londres (2007) , e da Tate "Uhland" Grã-Bretanha (1999), San Francisco Museum of Modern Art (1999 e 2005), Camden Arts Centre, Londres (2001) e New Museum of Contemporary Art, New York (1998).

Doris Salcedo: prece muda ou mudo oração 

MAXXI arte - Museu Nacional de século XXI artes, Roma, Itália 

aberto até 24 de junho de 2012

Dalila Gonçalves

A artista portuguêsa Dalila Gonçalves desenvolveu um jardim de esculturas ao ar livre formado a partir de pedras com suas superfícies parcialmente cobertas com azulejos portugueses. Cada pedra foi revestida com azulejos feito pelas mãos da artista de forma artesanal, como os que normalmente enfeitam fachadas vibrantes do seu país de origem, mas esses foram decorados no estilo da região de Bruxelas "Blankenberge".Pra realizar e desenvolver a instalação exterior, a artista e sua equipe mapearam o exterior das pedras - uma grade foi criada para observar onde cada azulejo será permanentemente posicionado. Cada peça de louça foi então formada para se encaixar de forma convexa e côncava das rochas. "kneaded memory"'está em exposição na Blankenberge, Bélgica, como parte da edição 2012 do Beaufort 04: Quarta trienal de arte contemporânea à beira-mar . As pedras estão dispostas de forma aleatória no pátio da igreja, os azulejos foram esculpidas para adaptar-se com superfície de cada rocha.

Dalila Gonçalves: kneaded memory

Beaufort 04, blankenberge, 
Bélgica , agora até 30 de septembro de 2012

Alvaro Catalán de Ocon

O efeito gráfico e optical dessas banquetas Rayuela desenhadas pelo espanhol Alvaro Catalán de Ocon  é muito especial. São hexagonais e feitas pra serem acumuladas e infinitas de muitas formas diferentes, gerando padrões múltiplos. A idéia é incrível e se utiliza da mistura de madeiras com texturas e cores diversas. Olhe esse vídeo feito pelo próprio escritório.
http://vimeo.com/38924422